<내 친구 정일우한줄 관람평


이지윤 | 정일우, 연대의 꽃을 피워내는

박범수 | 가장 낮은 곳에 임했던 빈자의 벗, 그를 기억하는 가장 정직한 기록

조휴연 | 사람이 되기 위해 이토록 고민한 사람이 있었다

이가영 | 위대한 잠언은 세상 가장 낮은 곳에서 피어남을

김신 | 민주주의의 화술로 쌓아낸 친밀의 형식

남선우 | 그 시절, 사람을 사랑했던 친구





 <내 친구 정일우> 리뷰: 정일우, 연대의 꽃을 피워내는




*관객기자단 [인디즈] 이지윤 님의 글입니다.



미국에서 태어나 스물다섯 살에 한국으로 건너온 사람. ‘노란 샤쓰의 사나이’를 즐겨 부르는 사람. 아무데서나 잘 자고 술을 잘 먹는 사람. ‘18’을 좋아하는 사람. 잘 웃는 사람. 풍물놀이를 좋아하는 사람. 청계천, 상계동, 괴산 등에 터전을 꾸렸던 사람. 자연스럽게 다른 이들의 마음을 열게 하는 사람. 가난한 사람들 속으로 들어가 그들과 함께 산 사람. 경계 없는 공동체를 꿈꾼 사람. 김동원 감독의 다큐멘터리 <내 친구 정일우>는 이런 故정일우 신부를 회상하며 그에 대한 기억을 스크린 위에 풀어놓는다.



정일우 신부에게 초점을 둔 작품 속에는 각기 다른 인물이 쓴 네 통의 편지가 등장한다. 편지를 쓴 화자의 목소리를 통해 관객들은 과거 정일우 신부가 머물렀던 공간과 그곳에 존재했던 이들의 기억을 더듬어간다. 기억을 더듬어가는 과정에 있어 감독은 정일우라는 인물의 업적을 칭송하거나 미화하려들지 않는다. 그저 곁에 있었던 절친한 ‘친구’처럼 그를 묘사할 뿐이다. 정일우 신부가 철거민과 농민들 틈에 섞여 희로애락을 나누고 함께 춤추고 노래를 부르며 술과 담배를 하는 모습은 작품 속에 빈번히 등장한다. 종교인에 대한 다큐멘터리에서 찾아보기 어려운 이런 장면은 보는 이들에게 정일우라는 인물이 지닌 온기를 고스란히 전달한다. 이런 온기를 통해 <내 친구 정일우>는 종교 영화가 빠지기 쉬운 우상화의 딜레마를 넘어서는 힘을 얻게 된다. 작품은 정일우 신부를 기억하는 이야기임과 동시에 정일우 신부를 기억하는 사람들의 이야기이기도 하다. 현재의 카메라 앞에 선 이들은 정일우 신부와 함께 보냈던 시간들을 통해 과거를 이야기하기도 하고, 이미 머물고 있는 현재를 이야기하기도 하며 앞으로 다가올 미래를 이야기하기도 한다.


작품 속 세 번째 편지의 화자는 <내 친구 정일우>를 연출한 김동원 감독이다. 그는 상계동 철거촌을 회상하며 그곳에서 자본과 권력이 가난한 이들을 어떻게 착취했는지를 목격했다고 증언한다. 그의 기억은 낡은 푸티지로 재생된다. 그 속에는 가차 없이 집을 부수는 굴착기와 울부짖는 철거민들, 그리고 그들을 감싸고 눈물을 흘리는 정일우 신부가 있다. 철거민들은 텐트까지 뺏기고 더욱 가난해졌지만, 아이러니하게도 더 큰 행복을 안게 된다. 가난은 철거민들 사이의 경계를 허물어뜨렸고, 허물어진 경계 위에서 그들은 스스럼없이 서로를 도우며 ‘고추장 같이 진한 공동체 생활’을 꾸려나간다. 부천으로의 집단 이주가 실패로 끝나고 서로의 몫을 챙겨 뿔뿔이 흩어진 이후에도 그들은 종종 만남을 가졌다. 가난했지만 행복했던 과거를 회상하는 사람들의 얼굴 위에는 편안한 미소가 감돈다.



그런 과거의 잔상을 안고 감독은 현재를 응시한다. 언제부턴가 상계동 주민들은 더 이상 서로를 만나지 않는다. 행복했다 정의 내렸던 그 시절을 기억조차 하지 않으려 든다. 자본과 권력은 사회 구석구석까지 손을 뻗었고, 어느새 가난은 부끄러운 것이 되어버렸다. 가난한 동네는 사라졌고, 가난한 이들은 보이지 않는 곳으로 숨어버렸다. 물끄러미 현실을 바라보던 감독의 시선은 이윽고 잔뜩 녹이 슨 채 뭍으로 올라온 세월호 위를 유영한다. 그는 공허한 목소리로 세상에 없는 정일우 신부에게 묻는다.


“신부님, 신부님은 여전히 가난뱅이들이 세상을 구할 거라고 믿고 계신가요? 상처받은 이들이 앞장서 싸워야만 하는 이 현실은 과연 끝날 수 있을까요?”


간절한 질문에 대한 답은 어쩌면 <내 친구 정일우>라는 영화 그 자체일지도 모른다. 작품이 드러내는 것은 정일우 신부에 대한 기억임과 동시에, 그와 함께 살았던 권력에 소외된 가난한 약자들의 기억이다. 그들이 지닌 과거의 기억은 자연스럽게 현재와 맞닿게 된다. 그 접점에서 관객들은 정일우 신부가 소망한 공동체 주의와 약자 간 연대의 필요성을 다시 한 번 인지하게 된다. 연대의 시작점에 대한 답은 정일우 신부가 쥐고 있다. 낮은 곳에서 함께하는 자유롭고 인간다운 태도와 마음가짐. 그것은 ‘친구’ 같은 따뜻한 관계와 공동체를 이룩할 수 있다는 희망을 꽃피워낼 것이다.



Posted by indiespace_은지

댓글을 달아 주세요




 <미스 프레지던트한줄 관람평


이지윤 | Mis 혹은 Miss 프레지던트 박근혜

박범수 | 태극기 집회를 마주한 촌로의 벙찐 표정은 단연 올해의 얼굴!

조휴연 | 다가올 시대에 어떤 사람들의 자리는 없다

최대한 | 그들에게 박정희는 하나님이었고, 박근혜는 예수였다. 무엇이 그들을 종교로 만들었는가.

이가영 | 가난과 무지가 빚어낸 참상

김신 | 영화 속 ‘박사모’들의 전체주의적인 면모보다는(그 부분에 대해 이 영화가 새롭게 알려주는 사실은 하나도 없다.) 이 영화가 피사체를 대하는 조롱에 가까운 태도야말로 아직까지 미제로 남아있는 이 나라의 과제다.

남선우 | 2016년 대한민국판 '우상의 황혼'




 <미스 프레지던트> 리뷰: 이해를 넘어선 분석의 시도





*관객기자단 [인디즈] 이가영 님의 글입니다.



조육형 씨는 매일 아침 의관을 정갈히 차려 입은 채 박정희 전 대통령 사진 앞에서 사배를 올린다. 바짝 엎드려 비장한 표정으로 국민교육헌장을 읊은 후에는 태극기 집회에 참여하기 위해 먼 길을 떠난다. 집회 현장에 도착한 그는 다소 어리둥절한 표정으로 주변을 둘러보다 단상 위에서 격양된 목소리로 연설인지 험담인지 모를 말들을 쉴 새 없이 쏟아내는 사람을 보며 당혹감을 감추지 못한다. 하지만 그것도 잠시, 집회 분위기에 적응하고 양손에 태극기를 든 채 열심히 구호를 따라하기 시작한다. 조육형 씨는 방송으로 보여지던 ‘박사모’의 모습과는 다르다. 시골에서 소를 타고 다니는 옛날 농부이며, 큰 소리 한번 내지 않는 점잖은 노인이다. 그가 한복을 곱게 차려 입고 태극기를 흔드는 모습은 상당히 이질적이다. 하지만 누구보다 열혈한 박사모이며 박정희를 추앙하는 신도 중 하나다. 과거 새마을 운동 역군이었던 자신의 활약상을 얘기하며 몇 번이고 박정희 정권을 고맙고 좋았던 시절이라 칭한다. 


여기 또 다른 박사모 회원이 있다. 울산에서 식당을 운영하는 김종효 씨 부부는 지갑에 박정희 부녀의 사진을 부적처럼 지니고 다니는가 하면, 식당 벽면은 물론 식탁까지 기사와 사진들로 도배했다. 종종 손님들에게 ‘독재자의 사진을 왜 붙여 놨냐’, ‘보기 거부감 든다’ 같은 소리를 들어도 ‘싫으면 오지 마라’는 생각으로 꿋꿋이 버틴다. 박정희, 육영수 생가를 방문해 여기저기 둘러보며 주변 사람들과 담소를 나누는 그들의 표정은 마치 소풍 나온 학생들 같다. 그러던 어느 날, 국정농단 사태가 터지고 박근혜 탄핵을 외치는 촛불집회가 열리자 부부의 일상도 크게 흔들리기 시작한다. 매일 밤 뉴스를 보고 눈물 흘리며 ‘왜 이렇게까지 됐는지 모르겠다’고 심정을 토로하기도 한다. 그들에게 박정희는 배고픔과 가난이라는 원초적 불안감을 해결해준 의인이며 항상 감사해야 할 전 대통령이다. 그런 박정희의 딸 박근혜가 세상으로부터 비난 받는 이 현실을 받아들이기 힘들 뿐이다. 





관객들은 그간 미디어를 통해 전형화 된 이미지의 박사모와는 다른 모습의 등장인물들을 보며 혼란스러움을 느낀다. 그리고 그들이 자신과 크게 다르지 않은 사람임을 인지하고는 ‘이해의 범주’를 고민하기 시작한다. ‘박정희, 박근혜를 옹호하는 평범한 사람들을 어떻게 이해해야 하는가?’ ‘그동안 나는 얼마나 객관적이고 편견 없는 삶을 살아왔는가?’ 이 의문은 비단 등장 인물이 평범하기 때문에 시작되는 것만은 아니다. 영화의 전체적인 논조 또한 중도적이기 때문에 관객들은 더 혼란스럽다. 영화는 등장인물들이 그토록 숭상하는 박정희 부녀를 역사적 관점에서 이야기하지 않는다. 동상과 사진, 짤막한 흑백 필름으로 비춰지는 박정희 가족의 모습이 전부이다. 다만, 탄핵심판 선고 방송 혹은 야밤에 청와대를 빠져나오는 장면처럼 과거와 대비되는 현재 또한 보여지기 때문에 관객들은 다시 한번 현실을 인지한다. 인터뷰 장면에서는 화자만이 존재하며 질문조차 배제된다. 카메라는 철저하게 관찰자 역할을 수행한다. 영화는 그 어떤 대상도 풍자하거나 조롱하지 않는다. 이로써 감독의 의도는 희미해지고 판단은 온전히 관객의 몫이 된다. 어쩌면 이것이야말로 영화가 바라던 바일 수 있다. ‘촛불 세대는 박정희 세대를 이해할 수 있는가?’


바로 앞 문장에서 주체와 객체는 ‘세대’로만 국한되지 않는다. ‘너’와 ‘나’ 혹은 ‘나 자신’이 될 수도 있는 변화무쌍한 개념이다. 한 사람을 이해하기 위해서는 무수한 사건의 단면과 시간들이 필요하다. 대상이 누구든 간에 우리는 어쩔 수 없이 설득하기 위해 노력해야 하며, 이해를 넘어선 분석까지 나아가야 한다. 이성과 논리가 존재하지 않는 상황을 우리는 어떻게 대처해야 할까. 그저 가난과 무지가 낳은 비극으로 치부하기엔 짊어지고 가야 할 것들이 많다. 




Posted by indiespace_은지

댓글을 달아 주세요

  1. 한반도 최악의 수괴 다카키마사오 2017.11.19 17:09 신고 Address Modify/Delete Reply

    후손들에게 부끄러워할 줄 알자. 곱게 늙어야지 추하게 늙을거면 빨리 뒈져야 하는게 인간의 도리.

어둠 속 서로에게 빛이 되어주는 ‘우리’  <다시 태어나도 우리>  인디토크 기록


일시 2017년 10월 19일(목) 오후 8시 상영 후

참석 문창용 감독, 전진 PD(공동 감독)

진행 엣나인필름 마켓팅팀






*관객기자단 [인디즈] 이가영 님의 글입니다.




이번 인디토크에는 유난히도 ‘N차 관람객’이 많았다. 관객들은 처음 영화를 보고 느꼈던 감정을 고스란히 간직한 채 다시 극장을 방문했다. 정신없이 바쁘게 흘러가는 일상에서 무언가 잊지 않고 마음 쓴다는 것은 소중한 경험이다. 영화가 끝난 후에도 쉽게 가시지 않는 여운 속에서 잔잔한 인디토크가 진행되었다. 





진행: 스승 우르갼과 앙뚜를 만나게 된 계기가 무엇인가요? 



문창용 감독(이하 문): 굉장한 우연이었고 행운이었습니다. 2009년에 방송 다큐멘터리를 만드는 PD였습니다. 당시 동양 의학에 관한 다큐멘터리를 만드는 중이었고 중국을 거쳐 인도의 라다크에 가게 되었어요. 섭외된 의사도 없는 난감한 상황에서 촬영을 위해 수소문 했는데, 현지 택시기사 분께서 저기 작은 마을에 가면 스님이면서 의사인 분이 있다고 알려주셨어요. 마을로 가서 우르갼 스님을 만나게 되었습니다 첫인상이 매우 좋았고 의사로서 환자를 대하는 모습이 진중했어요. 그렇게 스님을 촬영하던 중에 계속 방해가 되는 인물이 한 명 있었어요. 바로 다섯 살 난 꼬마 앙뚜였는데 며칠 지켜보니 스님과 그 꼬마가 서로 눈빛 교환을 하더라고요. 처음 보는 광경이었어요. 스승과 동자승의 관계가 엄격할 수도 있는데 어떻게 이런 눈빛이 나올까 궁금했고 둘의 관계를 오랫동안 지켜보고 싶다는 생각을 했습니다. 



관객: 영화를 보면서 감독님과 피사체의 거리가 궁금했어요. 연출자는 철저하게 관찰자가 되거나 혹은 직간접적으로 영향을 줄 수 있는 사람이 될 수 있을 텐데요, 평소에 거리를 어떻게 설정하는지, 이번에는 어떻게 작업했는지 궁금합니다.



문: 개인적으로 사람 이야기를 좋아하는 편입니다. 다큐멘터리PD를 선택한 이유 중 하나도 제가 주변 사람들의 이야기를 듣고 재해석하고 전달하는 과정에 흥미를 느끼기 때문이에요. 사실 촬영 스타일은 다큐멘터리 감독의 성향에 따라 다를 것이라 생각됩니다. 하고자 하는 이야기에 따라서도 다르고요. 개론 서적에는 적정 거리 유지가 되어야 제대로 된 작품이 나온다고 설명하지만, 저는 거리 둠이 중요한 문제라 생각하지 않아요. 억지로 거리를 두려고 애를 쓴 적도 없고요. 그저 마음 가는 대로 친근한 관계를 유지하려고 노력합니다. 촬영하는 방식이 친구를 사귀는 것과 똑같았던 것 같아요. 단 우르갼과 앙뚜의 경우 외국인이다 보니 문화가 달랐고 종교적으로도 거리감이 있을 수 밖에 없었어요. 하지만 몇 년 동안 같이 생활하며 말씀을 듣고 행동을 지켜보면서 제 나름대로 티베트 불교를 이해하게 되었습니다. 앙뚜와 친해지기 위해서 ‘최선을 다해 져주는 축구 경기’도 많이 했고요.(웃음)



전진 PD(이하 전): 저도 마찬가지로 친근한 관계를 유지하려고 노력했어요. 2010년에 우연치 않게 앙뚜가 처음 린포체로 임명되었을 땐 촬영을 거부 당했지만 그동안의 관계를 통해 결국은 촬영도 할 수 있게 되었습니다.  



문: 우르갼 스님께서도 저희를 관찰하셨어요. 티베트에서는 아침마다 마시는 전통 차가 있는데, 어느 날 저에게만 커피를 주시더라고요. 제가 아침마다 커피를 마시는 모습을 기억하고 어디서 커피를 구해 오신 거예요. 저희를 많이 배려했어요. 



진행: 카메라를 들고 있었지만 멈췄던, 혹은 자신도 모르게 달려나갔던 순간이 있나요?



문: 천만 다행인 게, 위험한 상황은 없었어요. 우르갼 스님이 넘어질 때는 정말 순간이라서 헉, 했어요. 저희가 좀 떨어져 있어서 바로 대처할 수 없었거든요. 앙뚜가 난롯불을 지피던 장면에서는 실제로 촬영을 멈추고 같이 불을 꺼야 하나 갈등이 있었어요. 근데 전진 감독이 말하길, 그 당시 앙뚜가 키득거리는 소리가 오디오로 들렸다고 하더라고요. 그걸 듣고 위험하지 않은 상황이라고 파악한 거죠. 



전: 난로를 지피는 장면을 잘 보면 앙뚜가 웃느라 카메라가 흔들려요. 그 모습을 보고는 저희도 심각하지 않다는 판단을 해서 카메라에 잘 담으려고 노력했습니다. 그 외에 같이 울고 웃었던 상황들이 많아요. 마지막 이별 장면에서는 저희도 같이 울었고요. 눈싸움을 하는 장면에서는 나중에 저희도 카메라를 내려놓고 같이 합류해서 신나게 놀았던 기억이 나네요.



관객: 영화 막바지에 “네가 다시 돌아왔을 때, 나는 아이가 되어있을 거다”라는 스님의 대사가 있어요. 그 장면에서 순간 영화 제목이 떠오르더라고요. 제목의 의미가 궁금합니다.



문: 첫 제목은 ‘앙뚜’였어요. 하지만 여러 과정을 거쳐 결국에는 <다시 태어나도 우리>라는 제목을 짓게 됐습니다. 제목의 의미만 답변 드리자면 둘의 관계가 지속되길 바라는 마음을 표현하고자 했어요. 실은 그 대사가 환생을 의미하지는 않아요. 누구나 나이가 들게 되면 타인의 보호가 필요하고 혼자의 힘으로는 살아가기 힘들잖아요. 때문에 스님이 ‘아이’라는 표현을 쓰신 것 같아요. 그래서 앙뚜는 “나중에는 제가 스승님을 모실게요”라는 대답을 한 거고요.

 


진행: <다시 태어나도 우리>라는 제목은 국내 개봉을 하면서 정해진 제목입니다. 원래는 ‘앙뚜’라는 제목으로 베를린 영화제에 출품이 됐어요. 그 당시에 저는 왜 ‘우르갼과 앙뚜’가 아닌 ‘앙뚜’라는 제목을 지은 건지 궁금했어요.



문: ‘나의 린포체’도 생각했었는데 주변에서 아이를 소유하는 듯한 뉘앙스라 좋지 않다고 말씀하시더라고요. 제가 제시한 제목은 다 거절당했어요.(웃음) 그래서 단순하게 ‘앙뚜’로 짓게 됐죠. 영화 속에서 우르갼 스님은 앙뚜 곁을 그림자처럼, 거울처럼 항상 함께 동행하는 인물이니까 굳이 스님에 대한 제목이 아니어도 의미전달이 가능하다고 생각했어요.




관객: 영화가 다큐멘터리보다는 극영화처럼 연출된 느낌을 받았어요. 왜 이별로 끝을 맺었는지, 이후의 이야기를 다룰 계획이 있는지 궁금합니다.



문: 당연히 연출의 부분이 있어요. 실제로 촬영기간 동안 영화 속 인물들과 많은 이야기를 했고 저희가 카메라에 담고 싶은 순간을 기다렸어요. 예를 들면 앙뚜가 어떤 할아버지에게 사기꾼이라는 소리를 들었다고 고백하는 장면이 있는데, 저희도 그 순간을 목격했거든요. 카메라와 오디오가 돌아가는 상황이었지만 안타깝게도 어떤 말을 들었는지 알 수 없었어요. 단지 앙뚜의 기분이 너무 안 좋아 보여서 어떤 일이 있었는지 짐작만 할 뿐이었어요. 나중에 통역을 통해 알았고 앙뚜가 그 상황을 우르갼 스님께 털어 놓을까 생각하면서 기다렸어요. 결국엔 앙뚜가 얘기했고 영화에도 담을 수 있었죠. 촬영기간이 굉장히 길었고 그 중에서 선택된 컷이다 보니 일반적인 다큐멘터리와는 다른 점이 확실히 있어요. 그래서 ‘어떻게 저런 상황을 포착했을까?’ 의문을 가지시는 것 같아요. 편집 자체도 연출이라면 연출이라 할 수 있어요. 이왕이면 다양한 표정을 보여주는 게 좋지 않을까 생각했고 그 점을 염두하고 편집했습니다. 두 번째 질문에 답하자면, 앙뚜가 티베트 캄을 찾아가서 사원을 바라보는 것이 마지막이 될 수도 있었어요. 저희도 기다릴 수 있었고요. 하지만 전생에 존재하는 티베트 캄, 즉 노스텔지어 같은 곳은 우르갼 스님을 통해 보이지 않을까 생각했습니다. 둘의 이별이 많은 여운을 주기도 했고요. 



관객: 훌륭한 린포체란 무엇을 의미하나요? 



문: 린포체란 ‘고귀한 존재’, ’스승님’이라는 뜻입니다. 그 말은 결국 삶의 지혜나 위로가 필요한 분들, 혹은 아픔을 가진 사람들에게 연민을 가지고 대함을 의미해요. 이런 린포체의 역할은 어떻게 수행해야 할까요? 수많은 제자와 큰 사원이 있어야만 가능할까요? 저는 그렇지 않다고 생각해요. 공부만 열심히 할 게 아니라 기본적으로 연민의 마음을 가져야 해요. 인도에서 다른 린포체들을 만나보았는데, 그 중 좋은 차를 타고 많은 사제들을 거느리는 한 린포체의 얼굴에서는 연민이란 것을 찾아 볼 수 없었어요. 실제로 앙뚜가 갈등하고 성장하는 모습을 지켜보면서 우르갼 스님의 가르침이 헛되지 않았구나 느낀 지점이 있어요. 여정 도중 어려운 사람들이 손을 내밀었을 때 어린 앙뚜 입장에서는 겁도 났을 텐데 주머니에 있던 사탕이나 동전들을 일일이 나눠주더라고요. 그 모습을 보고 ‘스승의 가르침이 이제서야 빛을 발하는 건가? 아니면 전생의 기본적인 선한 마음이 드러나는 걸까?’라는 생각을 했어요. 



관객: 영화는 관객이 해석하기 나름이겠지만, 감독님 입장에서 투명하게 어떤 이야기를 하고 싶었나요?



문: 오랫동안 촬영하고 수많은 편집본을 만들면서 과연 나는 무슨 이야기를 하고 싶은지 고민을 많이 했어요. 한 줄로 요약하자면 ‘척박한 환경에도 고귀한 영혼이 존재한다’에요. 어리고 여린 앙뚜와 그 옆을 우직하게 지켜주는 스승님, 두 사람이 주고 받는 소중한 관계를 보여주고 싶었어요. 풍족하지 않은 환경에서 상처받기도 하지만 서로를 의지하며 한걸음씩 극복해가는 모습을 있는 그대로 영화에 옮기려 노력했습니다. 



관객: <다시 태어나도 우리>가 기획프로젝트라는 점이 놀라웠어요. 촬영 기간을 계획한 건지, 아니면 원하는 스토리가 나올 때까지 기다린 건지 궁금합니다. 



문: 스토리에 대한 결론은 전혀 없었어요. 각본도 제 뜻대로 되지 않았고요. 앙뚜가 린포체가 될 줄도 몰랐을뿐더러 매번 스토리 방향의 갈피를 못 잡았어요. 하지만 매 순간 같이 호흡하고 변하고 감정을 교류하는 과정에서 이야기가 나왔던 것 같아요. 뚜렷한 목표를 가지고 끝까지 오지는 못했어요. 그러나 단 한 가지, 두 분이 언젠가는 이별을 겪어야 했고 그 순간을 기다렸습니다. 사실 오랫동안 뚝심 있게 자리를 지키고 기다리면서 이야기를 완성한 것 같지만 각론으로 들어가면 참 지지고 볶고 서로 다투기도 하면서 나온 스토리입니다. 



관객: 앙뚜와 우르갼이 종교적인 관계가 아니더라도 순수한 관계를 유지했을까요?.



문: 제가 생각하기에 우르갼 스님은 린포체라서 앙뚜를 사랑했던 것 같지는 않아요. 종교를 떠나 분명히 두 사람이 통했던 게 있어요. 이별할 때 우르갼은 앙뚜에게 고맙다고 인사해요. 앙뚜는 스승님 덕분에 여기까지 올 수 있다고 말하고요. 앙뚜도 마찬가지지만 우르갼 또한 앙뚜에게 가르침 그 이상의 것을 받았던 것이죠. 부모와 자식간의 관계처럼요.



관객: 긴 촬영기간 동안 언제 가장 행복했나요?



문: 긴 시간 중 한 순간을 꼽아서 답하자니 이것만큼 어려운 일도 없네요. 촬영 도중 전진 감독과 제가 쓰려져 병원에 입원한 적이 있는데 빨리 촬영 나가야 한다는 걱정에 서로 산소마스크를 막 나눠 썼던 기억이 납니다. 또 여정 도중 목이 너무 말라서 설산의 눈을 퍼먹으며 “팥만 있으면 팥빙수다”라며 농담하던 순간, 힘든 일로 속이 상해 술 먹고 울던 저를 위로해 준 우르갼 스승님의 모습. 그런 순간들이 생각나요. 때문에 더 애정이 가고 사소한 것에도 큰 행복을 느낄 수 있었어요.





“이렇게 아름다운 영화를 만들어주셔서 정말 감사합니다”

“영화를 또 보러 와주셔서 감사드립니다” 

인디토크가 진행되는 내내 감독과 관객 서로에게 고마움을 전하는 말들이 자주 오고 갔다. <다시 태어나도 우리>는 물론이거니와 영화를 기억하려는 관객들의 마음이 감동스러웠다. 이번 기회로 영화의 존재 이유를 조금은 알 것 같았다. 



Posted by indiespace_은지

댓글을 달아 주세요

  1. BlogIcon 해연 2017.11.11 16:03 신고 Address Modify/Delete Reply

    문창용감독님 ,전진감독님
    감사합니다
    늘 응원하겠습니다




[인디즈_Choice]에서는 이미 종영하거나 개봉으로 만나볼 수 없었던 작품들을 소개합니다. 

이 코너에서 소개되는 작품들은 독립영화 전문 다운로드 사이트 '인디플러그'(www.indieplug.net)에서 

다운로드 및 관람이 가능합니다.


<고갈> 다운로드 바로가기 http://www.indieplug.net/movie/db_view.php?sq=5





<고갈> 리뷰: 모든 것이 소진되어버린 지독한 살풍경



*관객기자단 [인디즈] 박범수 님의 글입니다.



(스포일러가 있습니다.)


<고갈>의 세계는 스스로를 지탱하는 것조차 힘들어 보일 정도로 위태롭다. 영화의 배경이 되는 너른 갯벌과 거대한 공단은 한없이 삭막하고 동시에 스산하다. 그 아래에 존재하는 인간들은 서로를 조금이라도 이용하고 착취하기 위해 의자 뺏기 놀이를 하듯 비루한 육신을 아등바등 움직인다. 수퍼 8mm 촬영 원본을 35mm로 확대한 후 인위적으로 손상을 가한 필름은 그 모든 것들을 낡고 거친 느낌의 화면으로 구현했다. 그 어떤 생의 약동도 찾아 볼 수 없는, 모든 기력이 소진되어 무언가 새로운 것이 잉태되리라는 기대조차 전부 앗아가 버린 살풍경. 그 지독한 허기와 공허감에 절로 몸서리치게 하는, ‘바닥’이라는 표현이 더없이 어울리는 세계. 영화는 도대체 무엇을 말하고 싶은 것일까.





영화에서 명징한 메시지를 짚어 내는 것은 사실 무의미할 지도 모른다. <고갈>은 무엇보다도 직접 보고 듣고 느낄 것을 관객들에게 요구하는 영화다. 그 어떤 언어적 표현도 앞서 언급한 필름의 질감이 주는 감흥을 온전히 옮길 수는 없을 것이다. 감흥을 언어의 형태로 억지로 변환하는 대신 이야기의 흐름과 인물의 동선을 좇는 것만이 유일한 해답일 듯싶다. 기원도 연원도 알 수 없는 남자와 여자가 갯벌에서 조우한다. 개흙을 흩뿌리던 둘은 모텔로 향한다. 남자는 여자를 매춘에 동원한다. 모든 것은 중국집 배달부가 둘 사이에 끼어들면서 변화한다. 남자 몰래 여자를 만난 배달부는 함께 떠날 것을 종용한다. 여자는 그 말을 듣고 남자를 떠나지만 이내 돌아온다. 그러나 남자가 함께한 시간을 환기하자 여자의 반응은 돌변한다. 여자의 탈출 시도는 남자에 의해 저지되고, 배달부가 여자를 찾아 모텔에 찾아오면서 상황은 파국으로 치닫는다.


인물들은 폐곡선을 그리며 끊임없이 폐허 속을 맴돈다. 여자는 탈출을 시도하다가 다시 남자에게로 돌아온다. 남자 또한 여자의 매춘에 의존하며 간신히 삶을 영위한다. 배달부 또한 구원의 전기가 되는가 싶다가도 이내 남자와 여자의 관계 사이에 자리잡고 만다. 남자와 여자와 배달부는 왜 이토록 서로에게 부박하게 기생하는가. 그건 절망만이 가득한 현실에서 벗어나려고 발버둥을 쳐도 딱히 바뀌는 게 없다는 지독한 체념 때문일 것이다. 텅 빈 세계를 마주한 인물들은 너무나도 무기력하다. 끝없이 펼쳐진 갯벌은 그 끝조차 가늠하기 힘들고, 끊임없이 매연을 뿜어내는 공장의 굴뚝들과 둔탁한 기계음을 내며 작동하는 건설 장비들은 그저 무심하게 자리해 있을 뿐이다. 경계 너머를 꿈꿀 자유마저 박탈당한 이들에게는 지금의 현실을 버티어 내는 것조차 사치인 것처럼 보인다.


파국의 양상은 잔혹한 폭력과 기괴한 이미지들의 연쇄 반응으로 전개된다. 가죽 두건을 뒤집어 쓰고 나타난 배달부는 가위로 자신의 배를 가른다. 그 가위는 남자 손에 쥐여져 배달부의 남은 몸뚱어리를 사정없이 난자한다. 남자가 잠시 자리를 비운 사이, 여자는 가위로 잘라 낸 자신의 유두를 두유 팩 안에 담는다. 돌아온 남자가 여자를 강간하는 순간, 외계 생명체의 기괴한 형상에 가까운 죽은 태아가 여자의 음부에서 빠져 나온다. 간신히 생겨나는 듯 했던 생의 의지는 도리어 희망과 구원의 마지막 가능성을 파괴한다. 자기 파괴로도 극복할 수 없는 무기력의 감정을 대변하는 듯한 불안한 앰비언스가 그 빈 자리를 가득 메운다. 폐허에서 시작한 이야기는 다시 폐허로 돌아가는 것이다.





그러나 폭력과 이미지의 수위보다 더욱 견디기 힘든 것은 일말의 희망도 보이지 않는 답답함이 스크린 밖으로 전이되는 순간이다. 죽은 태아를 부둥켜 안은 여자는 갯벌 위에서 오열하고, 호루라기를 불며 여자를 쫓아 온 남자는 망연자실한 표정으로 그 앞에 주저앉는다. 여자의 오열을 비추던 영화는 갑작스러운 정적과 함께 암전된다. 짧은 크레딧과 함께 영화가 끝나면, 미처 정리되지 못한 정념이 불순물처럼 남는다. <고갈>이 비추던 살풍경은 이내 우리의 내면을 뒤흔든다. 영화처럼 폭력의 굴레에 갇히지 않더라도, 잠재하는 허무와 무기력이 부지불식간에 파국을 잉태할 것이라는 불안감이 피어 오른다. 모든 것이 소진된 ‘바닥’에 다다랐을 때, 마주한 절망을 헤치고 나아갈 힘은 어디서 찾을 수 있을 것인가. <고갈>은 섣부른 결론을 내놓는 대신 짧고 강렬한 침묵으로 답한다. 그것은 곧 해답이 영화 밖 현실에서 필사적으로 찾아야 하는 것임을 역설하는 나직한 선언일 것이다.

Posted by indiespace_은지

댓글을 달아 주세요

언제나 처음으로 가는 길  인디포럼 월례비행 <초행>  대담 기록


일시 2017년 9월 27일(수) 오후 7시 30분 상영 후

참석 김대환 감독

진행 변성찬 평론가






*관객기자단 [인디즈] 이지윤 님의 글입니다.



한 커플이 인천과 삼척을 오간다. 그들이 탄 차는 오래되었는지 엔진에서 털털 소리가 난다. 차 안에는 내비게이션이 없다. ‘수현’은 운전대를 잡고 ‘지영’은 길을 일러준다. 목적지로 향하는 동안 그들이 탄 차는 다른 도로로 빠질 타이밍을 놓치기도 하고 고장으로 멈춰서기도 한다. 인디포럼 월례비행이 2015년 3월 이후 2년 6개월 만에 돌아왔다. 새롭게 시작하는 월례비행의 첫 상영작 <초행>의 상영 후 변성찬 평론가의 진행으로 대담이 진행되었다. 작품을 연출한 김대환 감독이 함께했다.





변성찬 평론가(이하 변): 많은 분들이 감독님의 전작 <철원기행>(2014)을 기억하실 거다. 비교적 빠른 시간 내에 두 번째 작품 <초행>이 나온 것 같다. 작품의 제작과정과 동기에 대한 이야기를 듣고 싶다.



김대환 감독(이하 김): <철원기행>을 2013년 12월부터 2014년 1월 말까지 촬영했다. <초행>은 2016년 11월에 촬영했다. 두 작품 사이에는 3년이라는 시간이 있다. 개인적으로 그 기간 동안 많이 지지부진했다는 생각이 든다. 그때 가장 친한 친구이자 동료인 장우진 감독도 비슷한 상황에 놓여있었다. 그러다 장우진 감독이 과감하게 방을 빼고 고향으로 내려가면서 보증금으로 영화를 찍었다. 그 상황을 보며 ‘나도 찍어야겠다’는 생각이 강하게 들었다. 2016년 7월부터 시나리오를 써서 전주국제영화제에 지원했고, 그로 인해서 촬영을 할 수 있었다. <철원기행>은 이혼을 화두로 가족에게 ‘우린 서로 잘 알고 있는가?’라는 질문을 던지는 영화였다. 그 다음 영화에 대한 질문을 스스로에게 많이 했다. 나의 경우 연애를 굉장히 오래했는데, 연애를 하면서 가장 피하게 되는 화두가 결혼이었다. ‘결혼이란 뭘까?’, 그리고 ‘이 시대에 결혼은 어떤 의미일까?’란 질문을 던지고 싶어서 영화를 기획하고 진행하게 되었다.



변: <철원기행>과 <초행> 모두 공간이 인물만큼이나 중요한 요소로 작용된다. 작품은 공간의 이미지를 담아낼 때 굉장히 절제하고 공간이 풍경화적 이미지가 되는 것을 피한다. 특히 <초행>을 볼 때 더욱 그렇게 느꼈다.



김: <철원기행>을 촬영할 때 예상보다 더 많은 눈이 왔다. 현장에서의 설경이 압도적이었고 그 이미지를 어떻게든 써보고 싶다는 마음이 들어서 잔뜩 찍었다. 첫 번째 편집에서 그 장면들을 있는 대로 다 넣어봤는데, 그것이 이미지로만 작용되는 것 같았다. 영화의 감정선과 동떨어진 느낌이 들어서 그때부터는 찍어도 별 효과가 없는 샷들이라고 판단하게 되었다. <초행>의 경우도 그랬다. 인천에 2년 정도 살았던 적이 있는데, 그 공간에 대해 개인적으로 갖고 있는 이미지들이 있다. 낡은 공장과 매연 냄새, 음습한 골목들. 그런데 다르게 보면 인천은 신도시가 부상하고 있는 공간이기도 하다. 사람이 공간을 지배하는 것이 아닌, 공간이 사람을 지배하고 있다는 생각을 평소에 가지고 있었다. 공간에 사는 누군가를 떠올리고 그 공간을 촬영하는 방식으로 영화를 만들었다. 외갓집이 삼척인데, 삼척은 시골이면서도 굉장히 큰 시멘트 공장이 있다. 시나리오를 쓸 때 무조건 거기에서 촬영을 해야겠다고 생각했다. 그런데 로케이션을 진행하다 작품 속 횟집을 발견하게 되었다. 가서 사장님께 이야기를 듣던 중 영화에 나온 사연을 발견하게 되었고 그 공간을 같이 담자는 생각으로 촬영을 진행했다.



변: <초행>의 엔딩에는 대한민국 국민이라면 다 알만한 시간적 지표가 제시된다. 애초에 겨울이라는 설정을 가지고 있었는지 궁금하다. 그리고 촛불집회를 담게 된 과정도 듣고 싶다. 



김: 시나리오를 쓸 때 가장 배경으로 하고 싶었던 계절은 완연한 가을이었다. 인물들이 힘겹게 태백산맥을 오르는 모습, 산의 낙엽들을 보면 정서가 한 층 더 쌓일 것 같다는 생각이 들었다. 일정상의 문제로 완연한 가을을 놓치게 되어서 늦가을이나 초겨울로 컨셉을 잡았다. 시나리오를 진행하고 찍을 준비를 하던 중에 사건이 터졌고 집회에 참여하게 되었다. 처음으로 집회에 참여해 본 것이었다. 수현과 지영처럼 여자 친구와 함께 손을 잡고 걷고 소리 지르는 것만으로 너무 기분이 좋았다. 뻥 뚫리는 느낌이 들었다. 주변은 우리 같은 사람들로 가득 차 있었던 것 같다. 스태프들, 배우들과 이 이야기를 나눴다. ‘만약 수현과 지영이라면 어떤 선택을 할 것인가?’라는 질문을 던졌고, 그들이 어떤 외침을 하기 보단 함께 거닐며 이게 무엇인지 궁금해 할 것 같다는 지점까지 도달했다. 내가 느꼈던 그 때의 감정과 수현의 감정이 다르지 않을 거란 생각에 찍고 싶은 욕망이 들었다. 



관객: <철원기행>과 <초행>이 쌍둥이 영화라고 느껴졌다.



김: 연작의 느낌을 기대하지는 않았다. 개인적인 것들을 영화에 가져오다보니 그냥 자연스럽게 연작의 느낌을 갖게 된 것 같다. 또 주변을 보면 많은 사람들이 부모님과 떨어져 지낸다. 그런 부분도 영화에 작용되었을 거라 생각한다. 가족영화에 대한 목표치를 개인적으로 가지고 있다. 결혼을 화두로 하는 원초적인 영화를 만들고 싶단 마음이 <초행>의 출발 지점이었다. 그래서 닮아있는 부분이 없지 않아 있는 것 같다.



관객: 마지막 광화문 장면의 연출의도가 궁금하다.



김: 내게는 두 사람이 같이 걷는다는 것이 가장 중요한 의미였다. 두 사람이 계속 같이 걸어 나갈 것이고, 더 확장하자면 그런 사람들이 대한민국에 굉장히 많이 있으며, 같은 목소리를 내고 있다는 의미가 될 수 있다고 생각했다. <초행>은 시나리오가 완벽하게 짜여있지 않았고 시나리오대로 찍고 싶은 생각도 별로 없었다. 가지고 있는 질문에 대한 답을 찾지 못했기 때문에 시나리오가 마음에 들지 않았다. 영화를 한 씬 한 씬 찍는 것은 배우들에게 질문을 던지고 같이 답을 찾는 과정이었다. 영화를 찍고 있는 와중에 광화문 촛불집회가 시작됐고 이 영화에서 필요한 지점이 시의성, 동시대성이라고 생각했다. 촛불집회라는 현상을 눈감고 넘어갈 수가 없었다. 실제로 촬영을 하다 종로를 지나갈 때가 굉장히 많았는데, 그때 촬영에 대한 의지가 더 생겼다.



관객: <철원기행>과 <초행>의 등장인물들은 굉장히 유사하다. 심지어 같은 이름이 등장하기도 하는데 그런 반복을 의도한 것인지 궁금하다. 그리고 거의 롱테이크로 촬영되었는데 그런 연출을 추구한 이유에 대해서도 듣고 싶다.



김: 이름 같은 경우 큰 의미나 뜻을 담고 있진 않다. <철원기행>을 편집하면서 <초행>의 아이템이 떠올랐는데, 굉장히 닮아있다 느껴서 이름을 가져오면 되겠다고 생각했다. 그리고 개인적으로 롱테이크를 좋아한다. 쭉 머물러있는 긴 호흡이 굉장히 좋다. 또 <초행> 같은 연기연출을 할 때는 반복 촬영이 불가능하다고 생각했다. 반복 촬영을 하다보면 분명히 무엇인가 망가질 것이란 확신이 있어서 다른 컷은 없다는 전제하에 촬영을 진행했다. 그렇기 때문에 좀 더 자연스럽게 나오지 않았을까 생각한다.





관객: 어느 정도의 뼈대를 가지고 촬영을 시작했는지 궁금하다.



김: ‘동거하는 커플이 인천과 삼척을 오고 간다’가 가장 큰 줄기였다. 시나리오와 영화가 다르지 않은 지점은 가족관계 정도다. 또 일출과 일몰을 맞이한다는 것도 중요했다.



변: 원래 시나리오의 엔딩은 어떤 것이었나?



김: 엔딩도 사실 전주국제영화제에 출품하기 일주일 전 바뀌었다. 일주일 전까지의 엔딩은 이삿짐을 싸고 떠나는데 수현이 그림 한 장을 방에 두고 나오는 것이었다. 시나리오 상의 엔딩은 수현이 청혼을 하는 것이었다.(웃음)



관객: 세 가지 질문이 있다. 왜 조현철, 김새벽 배우를 캐스팅했는지, 임신 테스터기의 줄이 두 줄이었는지, 그리고 짬뽕과 탕수육을 먹다가 들리는 아기 울음소리가 무엇을 의미하는지 알고 싶다.



김: 김새벽 배우는 영화제에서 처음 만났고 굉장히 좋은 사람이라는 것을 직감했다. 만약에 다음 영화를 만들게 되면 꼭 같이 작업을 하고 싶다는 생각이 들어서 망설임 없이 캐스팅을 제안했다. 수현 역할을 누가 하면 좋을지 전혀 감이 안 잡히던 상황에 봤던 영화가 조현철 배우가 등장하는 <뎀프시롤: 참회록>(2014)이었다. 그 영화를 보고 너무 놀라서 조현철 배우를 만나보고 싶었다. 만난 후에는 작품과 너무 다른 인물이라서 더 놀랐다. 조현철 배우를 보면서도 굉장히 착한 사람이라는 느낌을 강렬하게 받았다.


테스터기의 결과는 임신이 아닌 것으로 찍었다. 선명하게 보일 필요는 없다고 생각했다. 이 결과가 지영에게 어떤 변화를 가져올 것인가가 더 중요했다. 그래서 지영이 테스터기를 확인하는 자체에 초점을 맞췄다.


많은 분들이 월세 아니면 반전세로 살고 있다. 계약 기간은 대부분 2년이다. 수현과 지영도 다음에 이사를 가게 된다면 집을 살 형편은 아니기 때문에 월세나 반전세로 살게 될 것이다. 그리고 2년 뒤에 또 이삿짐을 싸야 될 상황이 올 것이고 그 2년 후에도 비슷한 상황이 올 것이다. 그것이 앞으로의 미래가 될 수도 있고 몇 년 전의 모습일 수도 있다고 생각했다. 불안한 심리가 차곡차곡 쌓여서 무뎌진 사람들, 이사하는 데 있어서 거리낌이 없고 동네를 떠나는 데에 있어 약간의 아쉬움만 남은 모습들을 보여주고 싶었다. 아기 울음소리가 들리는 장면은 꿈이라고 생각했다. 누구의 꿈인지는 별로 중요치 않다. 한 사람의 꿈일 수도 있고 두 사람이 같이 꾸는 꿈일 수도 있다. 아기 울음소리는 꿈에 작용하는 불안감이라고 볼 수 있다. 그리고 그것이 선명하지 않길 바랐다. 마치 현실 같은데 ‘이게 뭐지?’하는 느낌이 들었으면 좋겠다고 생각했다.



관객: 촬영을 하며 샷의 선택지에서 가장 고민했던 장면이 있었는지 궁금하다. 



김: 끝까지 나를 괴롭혔던 것은 일출 장면이었다. 개인적으로 일출을 해변가에서 찍고 싶은 욕심이 있었다. 일출 촬영을 새벽 3시부터 진행했다. 새벽 3시는 칠흑같이 까만 밤이다. 그래서 그 씬만은 잘라서 두 컷으로 가야겠다는 판단을 내렸다. 그런데 촬영을 진행하다가 조금씩 해가 올라오며 점점 하늘의 색이 변해가는 것을 한 테이크에서 발견했다. 모니터링을 하는데 그것이 너무 좋았다. 그래서 컷을 나눌 필요 없이 여기서 끝을 내야겠다고 선택했고 그렇게 나온 결과물이 지금의 샷이다.



변: 마지막으로 차기 작품에 대한 이야기를 들어보고 싶다. 아울러 ‘봄내필름’이라는 제작 집단의 차기 계획도 궁금하다.



김: ‘봄내필름’이라는 제작사를 만들었다. 나와 친구인 장우진 감독, 딱 두 명이 함께 만든 제작사다. 제작사를 만든 가장 큰 이유는 나태해지지 않기 위해서다. 그 전의 3년이란 시간동안 너무 지지부진했던 것을 스스로 반성하고 있다. 앞으로는 그러지 말고 꾸준히 1년에 한 작품씩 만드는 것이 목표다. 첫 번째 작품인 <춘천, 춘천>이라는 영화가 올 11월에 개봉을 준비하고 있다. <초행>은 12월 초에 개봉을 준비하고 있다. 많은 입소문 부탁드린다.(웃음) 다음 작품은 내후년 봄에 찍을 예정이다. 엄마를 주제로 봄, 그리고 춘천에서 일어나는 이야기를 담아낼 것 같다. 그 전에는 장우진 감독이 <겨울밤>이라는 가제로 두 번째 작품을 진행할 것이다. 올 겨울에 춘천에서 찍을 것 같다.





엔딩 속 광화문 광장에는 수많은 인파가 모여 있다. 수현과 지영은 손을 맞잡고 촛불이 가득한 광장을 거닌다. 광장의 사람들은 저마다의 목적지를 향해 서로 다른 방향으로 발걸음을 내딛는다. 수현과 지영도 그렇게 한 걸음 한 걸음 걸어 나간다. 그들이 앞으로 갈 길은 한 번도 가보지 않은 낯선 초행길이다. 그러나 같이 걸어갈 사람이 있기에, 마주잡은 손이 있기에 그 여정은 마냥 외롭지 않을 것이다. 어쩌면 소소한 온기가 가득할지도 모른다.




Posted by indiespace_은지

댓글을 달아 주세요

소중한 사람의 죽음을 마주한 시간  인디돌잔치 <할머니의 먼 집>  인디토크 기록


일시 2017년 9월 26일(화) 오후 7시 30분 상영 후

참석 이소현 감독

진행 정지혜 영화저널리스트






*관객기자단 [인디즈] 이가영 님의 글입니다.




시간이 흐르면 이별의 순간을 맞이 할 수밖에 없다. 누구나 변하지 않는 영원을 꿈꾸지만 그런 건 없다. 죽음은 우리의 운명이다. 하지만 죽음이 절대적인 법칙임을 알면서도 매번 그 실체를 목도하기란 두렵고 무섭다. <할머니의 먼 집>은 죽음과 맞닿아 있는 인간의 외로움과 고뇌에 주목한다. 이 영화는 우리들로 하여금 죽음과 동시에 과거가 되어버릴 순간을 어떤 자세로 보내야 하는지 고민하게 한다. 평일 늦은 저녁, <할머니의 먼 집>이 개봉 1년만에 다시 한 번 상영의 기회를 가졌다. 마지막 GV가 아쉬워 천천히 이야기를 나누는 감독과 모더레이터, 그리고 관객들의 모습이 좋았다.





정지혜 영화저널리스트(이하 정): 이번 인디돌잔치는 <할머니의 먼 집>이 선정됐습니다. 할머니에 대한 영화이다 보니 누구나 공감하며 봤을 것 같아요. 감독님은 오랜만에 관객 분들을 만나는 자리입니다. 그 동안 어떻게 지내셨나요?



이소현 감독(이하 이): 영화 개봉을 마무리하고 나서는 진이 빠져서 좀 쉬었어요. 요즘은 건강이 안 좋아져 관리를 하고 있습니다. 책도 읽고 음악도 들으면서 지냅니다.



정: 인터뷰에서 나중에 할머니를 보기 위해 영화를 만들었다고 답변하신 기억이 나요. 올해 할머니께서 돌아가시기도 해서 영화를 다시 보는 마음이 마냥 편치만은 않을 것 같아요.



이: 편집을 하며 영화를 너무 많이 봐서 개봉한 이후에는 딱 한 번 밖에 보지 않았어요. 어떤 감독님들은 매 GV마다 본다고 하는데, 저는 힘들더라고요. 할머니 돌아가시기 전인데도 그랬어요. 할머니께서 돌아가시고 난 후, 엄마의 요청으로 장례식장에서 영화를 계속 틀어놨었어요. 이 영화를 처음부터 끝까지 다 제대로 본 건 얼마 전 KBS 독립영화관에서 방영했을 때예요. 방금 진행자 분께서 말씀하셨듯이 나중에 할머니를 기억하고 싶을 때 보기 위해 영화를 만든 건데, 진짜 그 이유로 이렇게 영화를 다시 보게 되는 구나 생각이 들어서 많이 울었어요. 과거 인터뷰 당시에는 답변을 하면서도 이런 순간이 정말로 올 거라고 생각을 못했거든요. 할머니께서 돌아가셨고, 죽음을 받아들여야 하는 시기에 여러 가지 생각을 하면서 영화를 봤습니다.



정: 영화의 시작 부분에도 나오지만, 감독님이 해외에 있을 때 할머니의 자살시도 소식을 듣고 돌아와 할머니와 함께 시간을 보내야겠다는 생각을 하셨죠. 카메라를 들고 할머니의 모습을 촬영하게 된 계기가 있나요?

 


이: 할머니 화장대에 제가 어렸을 때 할머니와 함께 찍은 사진이 많았어요. 하지만 대학 진학 후 같이 찍은 사진이 한 장도 없더라고요. 지금부터라도 찍어야겠다고 생각했어요. 처음엔 단순히 휴대전화 카메라로 시작했어요. 그러다 요즘에는 동영상 기능이 다 있으니 할머니의 표정이나 행동, 모든 것을 영상으로 그대로 남기고 싶다는 생각을 하게 됐어요. 욕심이 생겨 ‘우리 할머니의 일상을 단편영화로 만들어서 전주국제영화제에 출품해볼까’하는 아이디어가 떠올랐죠. 만약 내가 만든 영화가 영화제에서 상영된다면, 할머니의 삶의 아름다움을 많은 관객 분들이 보고 박수를 치고 할머니께서 그 모습을 보신다면, 할머니가 다시는 죽고 싶다는 생각을 하지 않겠지 하는 마음으로 촬영을 시작했습니다. 짧은 다큐멘터리를 계획하고 한 달 동안 촬영했고 그 후 어떻게 영화로 만들어야 할지 막막해서 편집도 안 하고 있었어요. 그러던 와중에 외숙께서 사고로 갑작스럽게 돌아가셨고 사촌 오빠가 외숙 49제 마지막 날 아버지 가시는 길을 영상을 남기고 싶다며 저에게 촬영을 부탁했어요. 이걸 계기로 3년동안 촬영하게 되었습니다.



정: 전주국제영화제에 출품했다가 잘 안 돼서 할머니와 단 둘이 조촐하게 집에서 상영회를 열었다면서요.



이: 네, 그렇습니다.(웃음) 프로젝터를 빌려 할머니 집 마당에서 상영회를 열었습니다. 그 이후 바로 이 극장(인디스페이스)에서 서울독립영화제를 통해 상영의 기회를 가졌어요. 할머니와 GV도 진행했습니다.



정: 극장에서 영화를 처음 보셨을 때 할머니께서 어떤 말씀을 하셨나요?



이: 할머니께 처음으로 상영 소식을 말씀 드렸을 땐 믿지 않으셨어요. “뭐 하러 서울 사람들이 나를 본다고 하더냐”라면서 안 오려고 하셨어요. 결국 친척들이 봉고차를 대절해서 다 같이 인디스페이스에 왔어요. 극장 안에 많은 관객 분들이 앉아있는 모습을 보고 “아이고 우리 손주 말이 참말이었네” 하면서 되게 좋아하셨고 기뻐하셨어요.



정: 영화를 보고 한편으로 나이 듦이 뭘까 고민했어요. 죽음을 준비하고 받아들이는 과정에 대한 고민을 다들 가지고 있을 텐데, 할머니의 곁에서 누구보다 시간을 많이 보낸 감독님 또한 죽음에 대한 고민을 많이 했을 것 같아요.

 


이: 사실 영화를 완성할 때까지도 할머니를 많이 사랑하니까 더 오래 사셨으면 좋겠다는 생각을 마음 속에서 버리지 못했어요. 올해 3월에 돌아가셨는데, 제가 영화 작업을 마치고 1-2월에 화순에 내려가서 할머니를 돌봐드렸거든요. 당시 대소변을 가리지 못할 정도로 많이 아프셨는데 제가 그 불편함을 대신 처리하고 해결할 때마다 너무 서러워하셨어요. 이때까지 손주들을 돌보고 키워왔는데 이제는 자신이 보살핌을 받는 존재라는 생각 때문이었나봐요. 자식들을 위해 희생하고 베푸는 것이 할머니의 존엄성을 지켜왔던 부분인데 이제는 더 이상 그럴 수 없다는 사실에 마음 아파하셨어요.



정: 영화가 개인 혹은 개인 가족의 이야기에 머물지 않고 다수에게 이야기 거리를 던져줄 수 있는 작품이 되기 위해서는 촬영에 임하는 감독의 태도가 중요하다고 생각해요. 어쩌면 논쟁적인 가족의 모습을 더 보여줄 수도 있었을 것 같아요. 예를 들면 요양병원에 할머니를 모실 것인가, 영양제를 계속 할머니께 드리는 게 맞나 같은 문제들이 가족 내에서 얼마든지 더 이야기 될 수 있었을 텐데 감독님이 다 거둬낸 건가 의문이 들더라고요. 어떤 자세로 영화작업에 임했나요?



이: 두 가지로 답할 수 있는데, 가족들은 카메라를 들고 촬영을 하는 취업준비생 ‘나’의 존재에 대해 신경을 쓰지 않았어요. 때문에 영화를 만드는 데 있어 솔직한 모습을 담을 수 있어서 만족스러웠어요. 일부러 빼려고 했던 장면은 외숙께서 돌아가셨을 때 할머니가 식음을 전폐하고 거의 일주일 동안을 울기만 한 모습이에요. 죽음이라는 사실 하나만으로도 감정이 전달이 되기 때문에 굳이 다 드러내지 않아도 된다고 판단했어요. 덧붙여 말씀 드리면 1차로 어머니께 보여드렸을 때 본인의 말이 의도와 다르게 보이는 부분이나 혹은 왜곡돼서 받아들여질 수 있는 부분은 의견대로 편집했어요. 예쁘게 나온 장면이나 대안이 될 수 있는 컷들도 함께 조율하면서 찾았습니다.(웃음)





관객: 영화 제목에 대해 여쭤보고 싶어요. ‘할머니의 먼 집’이 단순히 물리적인 뜻만을 의미하지는 않을 것 같은데, 어떤 의도로 제목을 지었나요?



이: 처음에는 여름 한 달 동안만 촬영을 계획했어요. 그래서 ‘여름과 외할머니’라는 제목을 지어놨었고요. 하지만 촬영 기간이 길어졌고 4계절의 모습이 모두 담기면서 제목을 바꿔야 하는 순간이 왔어요. 그렇게 고민하던 와중에 한 때 시인을 꿈꾸던 국문과 출신의 친구가 제 옆에 앉아 있었어요. 그래서 제가 “이거 내일까지 출품해야 하는데 당장 제목 좀 지어봐” 요청을 했고, 친구가 <할머니의 먼 집>이라고 지어줬어요. 집 자체가 할머니의 삶의 공간이면서 모든 삶을 다 보여주고 있잖아요. 이장하는 장면에서 어르신들이 묘를 지칭하며 이제 여기가 할머니의 집이 될 것이라고 말씀하시는데 친구는 여기서 공감을 했대요. 할머니가 삶이라는 집에서 죽음이라는 집으로 가는 긴 여정 중 한 부분을 네가 영화로 기록하는 거니까 <할머니의 먼 집>이라고 제목 지으면 좋겠다고 했어요.



정: 감독님이 출연도 하고 내레이션까지 도맡았어요. 영화에서 우는 모습까지 다 나오고요. 편집과정에서 고민이 많았을 것 같아요.

 


이: 편집감독님과 서로 주고 받는 형식으로 편집을 진행했어요. 14차까지 했는데, 제 편집본에는 제가 거의 등장하지 않아요. 우는 장면도 당연히 없었고요. 근데 편집감독님의 편집본에서는 제가 너무 많이 등장하는 거예요. 사적 다큐멘터리를 만드는 입장에서 스스로 등장한다는 점이 꺼려졌어요. 실제로도 우는 장면을 가지고 가장 많이 논의했는데, 편집감독님은 진심이 많이 드러나서 좋다고 말씀하셨어요. 서울독립영화제 상영 이후 관객 분들의 반응이 좋아서 결국은 넣게 되었습니다.



정: 예전에 쓴 일기가 영화 내러티브에서 이음새 역할을 해요. 지금 상황과 딱 맞는 일기를 보면서 신기했는데, 어렸을 적 일기를 어떻게 이 영화에 가져오게 됐나요?



이: 단순히 할머니와 저의 어린 시절 관계를 보여주는 것이 재현 다큐멘터리로는 어울리지 않았어요. 마침 제가 학교 다니던 시절에는 선생님께 일기 검사를 강제로 받아야 해서 일기를 빼놓지 않고 썼어요. 제 생애 집필활동을 가장 열심히 한 시기예요.(웃음) 일기장 속에 이야기 거리가 많았고 할머니 손에 자라서 할머니 이야기가 굉장히 많았어요. 지금과 크게 다르지 않은 일상들이 일기장에 그대로 있더라고요.



관객: 처음에 할머니가 술을 권했을 땐 잘 안 마시더니 나중에는 건배도 하고 술자리도 같이 하더라고요. 그렇게 변하게 된 계기가 있나요?



이: 개인적으로 술을 좋아하지는 않아요. 할머니가 마을 사람들과 술을 마시며 행복해 하는 모습을 보면서 할머니에게 술친구가 필요하다는 느낌을 받았어요. 할머니는 손주에게 맛있는 걸 권하고 서로 나누는 것이 행복이었던 거죠. 



정:머니께서 계속해서 “죽어야지” 하면서도 젊음에 대해 말씀하시는데, 그 감정이 부러움이라기 보단 회한에 젖어 주마등처럼 지나가는 순간들을 회상하는 게 아닐까 생각했어요. 할머니에게 젊음이란 어떤 의미였을까요?



이: 할머니는 너무 부지런했고 주변 사람들에게 베푸는 것을 행복이라 여겼어요. 나눔을 더 많이 하기 위해선 어느 정도의 건강과 젊음이 필요한데, 지금은 그걸 잃어서 손녀에게도 못해준다는 현실에 많이 속상해 했어요. 



정: 계속해서 작품 활동을 할 텐데, 다른 방식으로도 가족에 대한 이야기가 감독님에게 화두가 될 수 있을까요?



이: 이제 가족물은 안 찍으려고요.(웃음) 처음 찍은 영화에 많은 운이 따른 것 같아요. 이제는 가족들이 카메라를 의식하기 시작했어요. 우리 가족들은 오염 됐구나 생각이 들어요.(웃음) 절실하게 찍고 싶은 이야기가 생긴다면 그때 다시 촬영을 시작하고 싶습니다.



정: 감독님이 NGO활동을 오랫동안 했고 관심도 많다고 들었어요. 예전 인터뷰에서 분쟁지역을 주시하고 있다고 말씀하셨는데, 혹시 그와 관련된 주제가 있나요?

 


이: 건강이 좋아지면 12월에 팔레스타인 지역에 갈 계획이 있어요. 예전에 우연히 중동지역을 갔을 때 만난 관광객이 “이스라엘의 한 올리브 동산에 가면 한 할아버지가 있는데, 이분이 사람들을 먹여주고 재워주니 차비만 있다면 팔레스타인 지역에도 들어갈 수 있고 이스라엘 지역도 관광할 수 있다”고 이야기해주셨어요. 그걸 듣고 바로 이스라엘에 갔고 모든 올리브 동산을 찾아서 결국엔 할아버지를 만났어요.(웃음) 그곳에서 좋은 경험을 했습니다. 그 분이 게스트하우스를 무료로 운영하는 이유는 그곳에 일반 관광객뿐만 아니라 팔레스타인 인권 활동가, 국제 변호사 등 많은 분들이 거주하고 있기 때문이에요. 겉으로는 게스트하우스로 보이지만 팔레스타인 독립운동의 근거지로 쓰이는 셈이죠. 기회가 된다면 다시 한 번 자료조사 차원으로 갈까 생각하고 있습니다.



정: 일년 만에 다시 본 영화고 마지막 GV인데요, 어떻게 <할머니의 먼 집>을 간략하게 줄여서 마음속에 간직할 건가요?



이: 할머니를 기억하기 위해 만든 영화이니 할머니 기일 때마다 한 번씩 볼 예정입니다.





우리는 어떠한 방법으로도 사랑하는 사람을 잃은 슬픔을 잊을 수 없다. 그저 마음껏 슬퍼하고 수만 가지 느낌을 겪어내는 수밖에. 우리의 기억 한 켠에 옮겨 두어 그리울 적이면 언제든 꺼내 회상할 수 있다는 그 사실로 위로 삼아야 한다. 



Posted by indiespace_은지

댓글을 달아 주세요

마냥 엄혹할 것 같은 그곳에도 경쾌한 스텝이 있다  <땐뽀걸즈>  인디토크 기록


일시 2017년 10월 10일(화) 오후 7시 30분 상영 후

참석 이승문 감독

진행 이현주 감독 (<연애담> 연출)






*관객기자단 [인디즈] 박범수 님의 글입니다.



‘존재 그 자체로 빛나는 시절’이라는 수사가 아깝지 않을 만큼 <땐뽀걸즈>의 ‘땐뽀반’ 고등학생들은 시종일관 활력 넘치는 에너지를 스크린 가득 채웠다. 삶의 무게에 짓눌리지 않고 좋아하는 춤을 진정으로 사랑할 줄 아는 사람들의 모습은 아름다웠다. 영화만큼이나 아름답고 유쾌했던 <땐뽀걸즈> 인디토크에 이승문 감독과 <연애담>의 이현주 감독이 함께했다. 





이현주 감독(이하 진행): 다른 영화를 만들려다가 <땐뽀걸즈>를 만들었다고 들었어요. 원래 어떤 영화를 준비했는지, 어떤 점에 매료되어서 이 영화를 만들게 됐는지 궁금합니다.



이승문 감독(이하 이): 저는 ‘KBS 스페셜’이라는 역사와 전통을 가진 팀에서 일하고 있습니다. 어떻게든 새로운 시도를 해보려는 마음가짐으로 작년 6월에 그 팀에 들어갔어요. 그때 한국의 기간산업인 조선업, 애국가가 나올 때 배경으로도 나오는 그 산업이 붕괴하고 있고, 거제가 유령도시가 되어간다는 말을 들었어요. 그래서 ‘유령도시? 재미있을 것 같다! 저기에서는 무슨 일이 일어날까? 한 도시가 끝나간다는 말은 무엇일까?’라는 생각을 하게 되었고 거제라는 도시를 기록해 보고 싶었어요. 도시가 어떻게 쇠락해가는지, 그 안의 사람들은 어떻게 살아가는지 궁금했습니다. 답사를 가서 조선소에서 일하는 분들을 뵙고 그 분들의 삶을 진솔하게 담아야겠다는 생각을 했는데, 제 깜냥으로는 진짜로 하고 싶었던 말인 ‘이 도시를 보라’는 이야기를 못할 것 같다는 두려움이 들기 시작했어요. 그러던 와중에 거제 관광지도를 우연히 보게 되었고, 거제여자상업고등학교의 귀여운 학교 마크를 발견했어요. 요새는 ‘여상’이라는 표현을 잘 안 쓴다고 들었는데, 아무튼 여상 졸업생들에 대한 궁금증이 들더라고요. 학교에 연락을 해서 졸업생들의 진로를 물어보니 대부분이 조선소 경리로 취직한다는 대답이 돌아왔어요. 이 친구들을 한 번 만나봐야겠다는 생각으로 학교를 찾아갔어요. 학교 명물을 소개시켜 주겠다는 말을 듣고 가봤는데 정말 신기한 광경을 봤어요. 밖이 다 논이라 풀벌레 소리가 들리고, 음악을 틀자마자 눈빛이 싹 바뀌는 아이들이 거기에 있었어요. 그러다 밤 9시쯤 됐을 때 선생님 한 분이 천 원짜리 다발을 가지고 와서 아이들에게 한 장씩 나눠주더라고요.(웃음) 이 공간과 이 아이들을 좀 더 보고 싶다는 생각이 들어서 영화를 시작했습니다.



진행: 저도 예전에 다큐멘터리를 한 번 작업해 보려다가 도저히 못 만들 것 같아서 포기한 적이 있어요. 제 앞의 주인공이 나를 믿고 너무 내밀한 이야기들을 하는데, 이 내용을 공개해도 될 지, 무서움이 생기더라고요. 그래서 이 고민을 저에게 영화를 가르쳐준 분에게 털어놨더니 카메라에 담기는 인물을 사랑하면 된다는 답변을 해줬어요. 감독님도 <땐뽀걸즈>를 만들면서 비슷한 고민을 한 적이 있는지 궁금합니다.



이: 솔직히 말씀 드리면 이 영화에서 보여준 것보다 훨씬 내밀한 것을 찍으려고 했었어요. 그런 욕심들이 안 생길 수 없었는데, 제가 할 수 있는 건 저와 영화 속 친구들이 맺은 관계와 신뢰의 선 안에서만 (그들을) 표현하는 것이더라고요. 예를 들면 혜영이가 동생들 줄 빵을 사 들고 가는 장면을 찍을 때 저는 혜영이 집에 들어가보고 싶었어요. 그런데 그걸 혜영이가 되게 껄끄러워 하더라고요. 그래서 그 이유를 들어봤는데 충분히 납득이 될 만한 내용이었어요. 혜영이와의 이야기뿐만 아니라 다른 장면들도 어떤 부분까지 관객들에게 보여줄 수 있을 것인가에 대한 고민을 하면서 찍은 것 같습니다.



진행: 선생님과 아이들의 관계가 인상적이었습니다. 사투리와 반말을 섞어 쓰는 대화가 서로를 평등하게 존중하는 것처럼 보였어요. 감독님의 태도가 영화 속 선생님의 태도와 닮아있다는 생각을 했습니다. 연출로 강조해서 감정을 끌어내는 대신 적당한 거리를 둠으로써 대상화의 문제를 피해간다는 인상이 들었는데요, 그 거리를 유지하면서 인물들과 어떻게 가까워졌는지 궁금합니다.



이: 저나 촬영감독이나 사람 많은 곳에서 앞장서 이끄는 역할을 잘 하는 편이 아니에요. 그래서 처음에 이 작업을 시작했을 때도 한 달간 무작정 찍기만 했어요. 선생님과 친구들이 ‘뭘 찍는 지 모르겠다. 필요한 것 있으면 말을 해라.’라고 할 정도로 답답해했어요.(웃음) 그런데 계속 그렇게 지내다 보니 친구들이 먼저 다가오더라고요. 누군가 자신들의 이야기를 들어주는 것에 굉장히 목말라있다는 느낌이라고 해야 할까요? 두 달 정도 됐을 때 친구들이 자연스럽게 마음을 열어줬고 그 이후로는 작업을 수월하게 할 수 있었어요.





관객: 시영이 아버지가 서울에서 생활하는 장면이 영화에 담겨 있는데, 처음부터 부녀관계를 중점적으로 다루며 작업을 한 건지 궁금합니다.



이: 영화에 등장한 여덟 명과 각각 친한 정도가 다른데, 그 중에서 가장 친해지기 어려웠던 친구가 시영이었습니다. 시영이가 단장이니까 선생님과 시영이를 중심으로 찍는 게 편해서 많이 찍긴 했지만요. 어려운 이유를 한참 고민했는데, 친구들의 가족 이야기를 우연치 않게 듣게 되었습니다. 희망퇴직을 한 시영이 아버지가 대회 당일에 서울로 올라가서 창업 관련 교육을 받는다고 하더라고요. 시영이 가족의 이야기를 담아야겠다고 생각해서 아버님의 동의를 구했는데 흔쾌히 허락해 주셨습니다. 본인이 서울에 올라가 있는 동안 딸 곁에 누군가가 있어주는 것도 좋고, 덕분에 자신도 마음을 다잡을 수 있을 것 같다고 말씀하셨습니다. 시영이와 아버지의 이야기가 있어서 영화의 전체적인 무게감이 달라질 수 있었습니다.



관객: 포스터에 끌려서 아무 정보도 없이 영화를 보게 되었어요. 포스터에 얽힌 이야기가 궁금합니다.



이: 일단 포스터를 촬영하게 될 줄 몰랐어요. 포스터를 담당한 작가 분이 친구들을 한여름 땡볕 아래 해수욕장에 세워놓고 이런저런 춤 동작을 시켜서 찍었습니다. 친구들이 협조를 안 할 거라고 말했는데,(웃음) 의외로 촬영이 즐겁게 잘 끝났습니다. 결과물도 마음에 듭니다.



관객: 친구들의 공연이 카메라에 잘 안 잡힙니다. 춤을 어떻게 줬는지, 무대를 어떻게 완성했는지 궁금한데, 친구들의 무대를 볼 수 있는 다른 방법이 있을까요? 춤 장면을 굳이 영화에 넣지 않은 이유가 있는지 궁금합니다.



이: GV 때마다 이 질문을 받는데, 제가 뭔가 잘못 했다는 생각이 듭니다.(웃음) 이유부터 말씀을 드리면, 이 영화가 미션을 완성하는 이야기가 아니라는 생각이 들었습니다. 무대의 완성과 그 결과를 극적으로 보여주는 게 핵심이 아니기 때문입니다. 친구들에게 춤이라는 게 그렇거든요. 대회에서 상을 받는 건 기쁨의 비명을 지를 만큼 중요한 일이긴 하지만 그 목표만을 위해서 달려왔다고 하기에는 애매하니까요. 제가 찍고 싶었던 것은 친구들의 가장 빛나는 지금 이 순간들이었습니다. 그래서 무희처럼 조명 밑에 있는 모습뿐만 아니라 무대 바깥의 모습을 한 번 더 각인시킬 수 있도록 찍었어요. 별개로 대회 촬영본을 편집한 버전이 있긴 한데, 어떤 방식으로든 공개를 하지 않을까 합니다.



진행: 선생님이 댄스 스포츠를 시작한 계기가 있나요?



이: 선생님이 체육 담당이고 잡기에 능해요. 처음에 선택한 건 줄넘기였는데, 본인이 힘들어서 얼마 지나지 않아 그만뒀다고 해요.(웃음) 그러다가 댄스 스포츠를 우연히 보고 늙어서도 할 수 있겠다는 생각을 해서 배워왔대요. 그 때 선생님은 남자 공업고등학교에 있었고 댄스 스포츠를 어떻게 할까 고민을 하다가 복도에서 벌을 서고 있는 친구들을 본 거죠. 저 아이들을 데리고 시작하면 어떨까 하는 생각에 그들을 모아놓고 당구 내기를 해서 이기는 사람 소원을 들어주자고 했대요. 4대 1로 당구를 쳐서 이긴 다음 바로 댄스 스포츠를 시작했다고 합니다.





헌신적인 선생님과 열정 가득한 학생들이 함께 만들어 나간 ‘땐뽀반’은 언제까지 이어질 수 있을까? <땐뽀걸즈>의 주인공들은 머지 않아 학교를 졸업하고 사회로 나가 각자의 삶을 꾸려나갈 것이다. 조선업으로 부흥했던 거제에 칼바람이 불어 닥쳤듯이 삶은 때때로 그들을 배신할 것이다. 그러나 열정 하나만으로도 가장 밝게 빛날 수 있었던 추억의 한 자락이, 앞으로 그들이 걸어나갈 길을 끝까지 비춰 주지 않을까. 그 소중한 기억들이 거제에 오래도록 남아 이어졌으면 하는 작은 소망을 빌어 본다.





Posted by indiespace_은지

댓글을 달아 주세요

‘이해’라는 의미에 대한 잔잔한 파장  <분장>  인디토크 기록


일시 2017년 9월 30일(토) 오후 1시 상영 후

참석 남연우 감독 | 오도이 음악감독 | 배우 안성민, 홍정호, 한명수

진행 장성란 매거진M 기자





*관객기자단 [인디즈] 최대한 님의 글입니다. (사진: 김은혜 님)



‘이해’라는 의미에 대해서 진솔한 시점으로 다룬 영화 <분장>. 남연우 감독은 관객들에게 이해에 대해서 의문을 제시한다. 남연우 감독, 안성민 배우, 홍정호 배우, 한명수 배우, 오도이 음악감독이 <분장> 인디토크에 함께 했다.





장성란 매거진M 기자(이하 진행): 남연우 감독은 2012년 <가시꽃>이라는 영화를 통해 주목을 받은 배우에요. 오늘 인디토크를 진행하기 전에 남연우 감독님의 인터뷰 기사를 몇 개 읽고 왔는데요, <분장>은 배우이자 한 인간으로서 겪는 고민들을 시나리오로 쓰고 연출한 영화라고 합니다. 또한 배우로의 고민을 다른 배우와 함께 나누면서 작업하고 싶어서 직접 연출에 도전했다고 해요. 그래서 감독님 외에 다른 배우 분들도 궁금해졌어요. 어떤 매력과 개성을 갖춘 배우 분들인지 감독님께 직접 듣고 싶습니다.



남연우 감독(이하 남연우): 안성민 배우는 제가 연기 학원에 강사로 있을 때 연이 닿았어요. 원래 무용을 전공하다가 연기가 하고 싶어서 연기 학원에 왔고, 입시를 준비할 때 워낙 성실하게 임해줬기에 같이 작업해보고 싶다는 생각이 들었어요. <분장>의 시나리오가 나왔을 때, 동생 역이 무용을 잘하는 설정이었기때문에 제일 먼저 안성민 배우가 떠올랐습니다.


한명수 배우는 <가시꽃>을 촬영할 때 배우임에도 불구하고 현장에서 붐 마이크를 들고 있었어요. 배우가 카메라 앞이 아니라 뒤에서 붐을 들고 서있는 그 심정이 얼마나 괴로울까 생각이 들더라고요. 근데 짜증 한번 안 내고 누구보다 더 밝게 임하는 모습이 기억 속에 깊게 박혔어요. 같이 숙소에 있을 때 힘들지 않냐고 물어봤거든요. 그 때 ‘잘하는 형들과 함께 해서 기분이 좋다’고 이야기 하더라고요. 그 때 너무 큰 감동을 받았고, 연출을 하게 되면 같이 호흡을 맞추고 싶다는 생각이 있었어요. 훌륭하게 우재 역을 잘 소화해줬다고 생각합니다.


홍정호 배우는 저와 17년 째 인연이 있는 친구에요. <가시꽃>에서도 같이 호흡을 맞췄고 작업할 때 마다 제가 배우는 게 너무 많았어요. 그리고 ‘이나’라는 캐릭터가 기존의 홍정호 배우 몸무게에서 10kg정도 빼야하는 상황이었는데, 짧은 기간 동안 체중을 조절하더라고요. 한 배역을 소화하기 위해서 체중을 조절하는 게 쉽지 않은 일인데, 역할을 소화하기 위해 보여준 프로 의식에 대해 정말 감사하게 생각하고 있습니다.


오도이 음악감독도 17년 째 인연이 있는 동생이에요. 영화를 볼 때마다 영화와 영화음악에 대한 생각을 많이 나눴고 일치하는 부분도 많았어요. <분장>의 초기 시나리오 단계에서 잘 풀리지 않을 때 함께 리딩을 하면서 대사를 만들어 가기도 했습니다. 최종적으로 <분장>의 음악적인 부분들을 훌륭하게 완성시켜주었다고 생각합니다. 오도이 음악감독은 현재 ‘소울 스테이지’라는 그룹에서 활동하고 있습니다.



진행: 영화를 보면서 주인공 ‘송준’뿐만 아니라 다른 인물들은 어떤 과정을 거쳤을까 궁금증이 들었어요. 특히 송준이 연극 ‘다크라이프’의 ‘주디’역을 연기하는 단계마다 ‘송혁’(안성민 분)과 ‘우재’(한명수 분)의 심리가 계속 요동쳤을 거라고 생각하는데, 이 부분에 대해 어떤 고민을 했는지 궁금합니다.



안성민 배우(이하 안성민): 그 캐릭터를 연기하려면 일관된 면이 있어야 했는데, 그걸 잡는 게 쉽지가 않았어요. 그때마다 감독님과 대화를 나누고 고민하면서 방향을 잡아갔습니다. 



한명수 배우(이하 한명수): 비밀을 이야기하려다 말하지 못했을 경우, 그 비밀을 이야기하기가 점점 힘들어 지는 것 같아요. 우재는 마음속 짐이 컸을 거라고 생각해요. 우재는 송준의 옆에서 도움을 주고 주디가 되어가는 모습을 지켜보죠. 송준한테는 비밀을 털어 놓을 수 있겠다는 마음을 가지고 연기했습니다.





진행: 이나가 음악으로 인물들의 심정을 대변하는 장면이 많아요. 



홍정호 배우(이하 홍정호): 음악감독님한테 정말 많이 혼났어요.(웃음) 제가 원래 노래 부를 때 목소리가 조금 거칠어서 기존 설정으로 잡은 이나의 목소리 톤하고 너무 다르더라고요.(웃음)



오도이 음악감독(이하 오도이): 처음 음악을 만들고 제가 가이드를 잡았을 때는 생각처럼 잘 됐는데, 홍정호 배우가 부르니 좀 다르더라고요. 목소리가 너무 거칠었어요. 그래서 톤 변화를 위한 연습을 진짜 많이 했습니다. 배우님이 열심히 노력을 했고, 잘 해내서 너무 뿌듯합니다.



홍정호: 노래를 부르는 장면이 2번 있습니다. 마지막에 부른 ‘얼굴’이라는 곡은 제가 정말 좋아하는 곡이었어요. 원래 눈물을 흘리는 설정은 없었는데, 그 곡을 부를 때는 정말 감정적으로 자연스럽게 눈물이 흘러나오더라고요.



진행: 이나가 부르는 노래는 성소수자들을 대변하는 목소리 같았어요. 작사 및 작곡을 할 때 그러한 점에 대해서 고민을 많이 했을 것 같아요.



오도이: 성소수자에 관한 다큐멘터리를 정말 많이 봤어요. 감독님과 이야기도 많이 나눴고 저 나름대로 답을 내리려고 노력했어요. 



진행: 저는 이 영화의 마지막 장면이 끝난 다음에야 비로소 관객들의 마음에서 ‘이해’라는 의미에 대해 의문이 일어난다고 생각하거든요. 특히 배우는 캐릭터를 연기하기 위해서 그 사람들의 마음을 이해하고 보통의 사람들보다 더 많이 더 다가가려고 하는 사람들이잖아요. 이 영화가 던진 ‘이해’라는 의미에 대한 답을 찾았을 거라고 생각해요.



한명수: <분장>을 찍고 나서 '이해'라는 말을 정말 조심스럽게 사용하게 됐어요. 타인을 이해한다고 말할 때는 조금 더 많은 생각을 하고 건네야겠다는 생각을 했습니다.



 

 




















관객: 감독님께서 <분장>을 한 단어로 표현해주셨으면 합니다. 그리고 추후 작품 계획이 궁금해요.



남연우: 저는 ‘낯설다’가 적절할 것 같아요. 영화 전체적인 이야기를 봐도 그렇고, 개봉을 해보니 저예산 영화가 노출이 되는 게 힘들다는 생각이 들었어요. 이렇게 찾아주시는 것 또한 굉장히 낯선 걸음이라는 생각이 들었습니다. 그리고 현재 저희 제작사에서 다음 작품 시나리오를 썼어요. 정말 감사하게도 이번 부산국제영화제 아시아프로젝트마켓(APM) 지원작으로 선정되어 투자를 받기위해 갑니다. <내 나이 열네 살>이라는 작품이고 억울하게 누명을 쓴 14살 소년을 위로해주는 이야기입니다.



관객: 영화가 끝난 후에 각 인물들이 어떻게 되었을지 궁금합니다.



남연우: 각자 생각해보셨을 것 같은데, 그게 정답인 것 같아요. 이건 또 다른 이야기라고 생각하면서 들어주세요. 송준은 그 이후에도 자신의 위선에 대해서 인정하지 못 했을 것 같아요. 위선을 인정하는 순간 살아온 세월들이 더 힘들어질 것 같다는 생각에 말이죠. ‘다크라이프’가 잘 되었고 배우로서도 인정을 받으면서 계속 배우 생활을 했을 거라고 생각합니다. 그렇게 긴 세월을 살다가 조금 나이가 들어서 위선을 인정하게 되는 순간이 올 것 같다는 생각이 들었습니다.



안성민: 요즘에도 계속 떠올리는데, 인물의 미래에 대한 생각이 계속 바뀌고 있어요. 촬영 때는 이후에 자살을 할 것 같다는 마음으로 연기를 했어요. 지금은 송혁이 어떻게 살아갈지에 대해 확신을 못하고 있는 상태입니다.



한명수: 우재는 송준을 정말 믿었기에 자신을 드러낼 수 있었다고 생각해요. 하지만 배신당했고 그 충격으로 인해 송준을 다시 보지 못할 것 같아요. 송혁도 우재로부터 떠날 것이라고 생각했고요. 상처 받은 마음으로 지내다가 이나로부터 치유 받지 않았을까 생각했습니다.



홍정호: 이나는 영화에서 굉장히 강단 있는 캐릭터에요. 하지만 사람들에게 마음의 문을 쉽게 열지 못하죠. 그런 와중에 송준을 받아들였지만, 결국 그 역시 똑같다는 걸 느끼면서 사람들에게 더욱 마음의 문을 닫았을 거라고 생각합니다. 



관객: ‘분장’이 철학적인 제목이라고 생각했습니다. 외에 생각한 제목이 있는지 궁금합니다.



남연우: 처음 시나리오를 쓰는 과정에 가제라도 있어야겠더라고요. 그 때 갑자기 ‘분장'이라는 제목이 떠올랐어요. 그렇지만 시나리오를 쓰면서도, 결과물이 나왔을 때도 ‘분장'이 약간이 옛날스럽다, 세련되지 않다는 생각이 들었어요. 영화 제목으로 매력이 없는 것 같아서 주변에 많은 자문을 구했는데, 한 선배님이 ‘이해와 인정’이라는 제목을 지어주더라고요. 많은 고민을 했으나 결과적으로 배우가 얼굴에 분칠하는 것과 인간이 내면에 분칠을 하는 것이 머릿속에서 깊게 박혀있어 <분장>이라는 제목을 선택했습니다.




Posted by indiespace_은지

댓글을 달아 주세요


 <다시 태어나도 우리한줄 관람평


이지윤 | 하얀 눈처럼 쌓이는 인연, 다시 태어나도 우리 그 위에서

박범수 | 인간이 숭고해지는 영화적 진실성에 대해 생각하다

조휴연 | 태어날 곳은 선택할 수 없지만, 삶은 만들어갈 수 있다

최대한 | 아홉 살 린포체의 무게감과 참된 스승의 헌신이 애잔하다

김신 | 내 작은 나무는 바람을 사랑했네. 정처 없는 바람을. 바람의 집은 어디인가. 바람의 집은 - 포루그 파로흐자드

남선우 | 우리는 모두 정해진 삶과 정해야 하는 삶 사이를 헤맨다






 <다시 태어나도 우리> 리뷰: 인간이 숭고해지는 영화적 진실성에 대해 생각하다





*관객기자단 [인디즈] 박범수 님의 글입니다.



환생한 티베트 수도승 ‘린포체’로 지명된 소년 ‘앙뚜’와 그의 늙은 스승 ‘우르갼’의 삶을 담은 <다시 태어나도 우리>를 보는 내내, 스치는 당혹감에 자리를 계속 고쳐 앉았다. 작가의 개입과 허구적 요소를 최소화하는 것이 피사체를 대하는 다큐멘터리의 진실성이라는 평소의 생각이 흔들렸기 때문이다.





두 개의 장면을 이야기하고 싶다. 사원에 두 명의 린포체를 들일 수 없다는 원칙 때문에 앙뚜가 쫓겨나자 우르갼은 앙뚜가 전생을 살았던 티베트의 캄으로 그를 데려가기로 결심한다. 캄 인근의 국경 도시에서 둘은 매점을 운영하는 중년 여인을 만난다. 여인이 캄에 가려는 이유를 묻자 우르갼은 앙뚜의 정체를 알린다. 여인이 절을 하고 린포체는 여인의 머리에 손을 얹어 축복한다. 의문점은 앙뚜가 린포체임을 알리는 우르갼과 앙뚜에게 절을 하는 여인이 하나의 연속된 쇼트가 아닌 쇼트-리버스 쇼트로 처리되었다는 데에 있다. 이것은 편집이라는 허구적 조작을 실재의 기록에 개입시킨 하나의 결단이다. 그렇다면 그 결단은 무엇을 향하는가. 우르갼의 말과 여인의 절 사이에 존재했을 간극은 과연 무엇일까.


분절된 쇼트는 이후에도 등장한다. 앙뚜와 우르갼의 사정을 알게 된 어느 사원에서 앙뚜에게 린포체 교육을 제공하기로 하자, 우르갼은 자신의 소임이 다했음을 깨닫고 작별을 고한다. 우르갼이 눈물을 흘리지만 앙뚜는 당면한 상황을 애써 부정하려는 태도를 보일 뿐이다. 앙뚜의 눈물이 등장하는 것은 그 다음 쇼트이다. 우르갼과 앙뚜의 눈물에는 분명한 시차가 있다. 그 시차를 생략해버린 결단은 매점에서의 쇼트-리버스 쇼트와 같은 선상에 놓일 수 있는 것일까.


생각해 보면 다큐멘터리가 작가의 개입을 배제하고, 있는 그대로를 객관적으로 기록해야 한다는 말은 형용모순을 안고 있다. 현실에 특정한 구도의 프레임(혹은 카메라)을 가져다 대는 순간, 현실은 그 프레임에 따라 해석되고 보여지기에 모든 관점에서의 보편성을 의미하는 객관성은 결코 확보될 수 없다. 다큐멘터리 작업에 작가의 개입이 원천적으로 배제될 수 없는 것도 바로 프레임의 주체가 작가이기 때문이다. 다큐멘터리란 결국 작가라는 주체의 인식을 기반으로 실재에 최대한 가깝게 재구성된 현실의 모사인 셈이다. 그러나 모사가 곧 진실성에 반하는 것은 아니다. 절대적이고 객관적인 단 하나의 진실이란 존재하지 않는다는 관점에서 보았을 때, 주체의 인식에 따라 현실이 재구성된다는 말은 하나의 현상을 두고 주체의 수만큼 서로 다른 진실들을 드러낼 수 있는 가능성을 열어 보인다.





다큐멘터리 역사에 족적을 남긴 작가들은 그 진실성을 획득하기 위해 현실을 어떻게 재구성해야 할 지를 정확히 아는 선구자들이었다. 최초의 다큐멘터리 영화로 알려진 로버트 J. 플래허티 감독의 <북극의 나누크>(1922)는 가장 유명한 예시일 것이다. 플래허티는 캐나다 북부에 거주하는 이누이트 족의 일상을 담는 과정에서 그들에게 연기를 요구했다. 실제로는 바다코끼리 사냥에 총을 사용하던 이누이트들이 그의 뜻에 따라 작살을 꺼내든 것이다. 플래허티는 스스로와 관객 모두를 기만한 것일까? 그보다는 플래허티가 중요하게 여긴 진실이 기계적으로 기록된 이방인의 생활상 그 자체가 아닌, 유럽과는 상이한 환경에서 자신들만의 방식으로 적응해 살아가는 비유럽인의 존재를 드러내는 데 있었다고 이해하는 것이 타당할 것이다.


베르너 헤어조크 감독의 <그리즐리 맨>(2005)이 진실에 접근하는 방식도 눈 여겨 볼 만 하다. 알래스카의 곰들과 어울려 살다가 결국 곰에게 잡아 먹힌 환경운동가 티모시 트래드웰을 다룬 이 다큐멘터리에서 헤어조크는 나레이션과 인터뷰를 활용해 트래드웰의 삶을 적극적으로 해석하고자 한다. 트래드웰의 행적을 단순히 기록하는 데에 그쳤더라면 <그리즐리 맨>은 지구의 암적 존재인 인간의 횡포에 맞서 곰들을 지켜내고자 했던 어느 낭만주의자의 비극으로 남았을 것이다. 그러나 헤어조크의 개입은 약육강식이라는 비정한 자연의 섭리를 이해하지 못한 망상가로서의 이면을 들추어낸다. 헤어조크가 밝혀내고자 했던 진실은 트래드웰이라는 인간과 그 사상의 본질이 아닌, 그의 삶이 내포한 인간 존재의 태생적 다층성과 다면성이었다.


다소 우회한 이야기를 <다시 태어나도 우리>가 두 수도승을 대하는 태도로 끌어 와 생각해 볼 차례다. 영화의 전반에 짙게 깔려있는 종교적 숙명은 앙뚜와 우르갼의 서사를 지탱하는 가장 중요한 요소다. 그러나 영화가 그 숙명에 앞서 줄곧 주목하는 지점은 아이와 노인이 영위하는 지극히 일상적인 나날들이다. 노인들의 머리를 매만지던 앙뚜는 린포체이기에 앞서 또래들과 뛰어 놀고 싶은 한 명의 어린이다. 앙뚜는 자신이 아무 것도 아닌 존재일지도 모른다는 불안에 사로잡혀 있다. 앙뚜의 불안을 가장 잘 이해하고 달래주는 존재는 바로 우르갼이다. 중생들을 다스리고 이끌어야 할 종교인으로서 가져야 할 태도를 조언하기도 하지만, 앙뚜를 먹이고 재우면서 공부를 게을리할 때마다 꾸지람을 내리는 모습은 영락없는 할아버지와 손주의 관계다.


일상의 먹고 사는 문제가 전면에 등장할 때, 영화는 헤어조크의 인터뷰가 트래드웰의 삶에 개입한 것처럼 인물들에게 한층 더 가까이 다가간다. 상자에 지폐를 넣는 우르갼의 손과 난로에 기름을 붓다가 불을 낼 뻔한 앙뚜의 손을 포착하는 클로즈업은 영적 지도자들을 더없이 인간적으로 보이게 한다. 쇼트-리버스 쇼트의 결단도 어쩌면 동일한 맥락에서 이해할 수 있을 것이다. 그것은 물리적 거리뿐만 아니라 시간적인 거리까지도 줄임으로써 인물들의 인간적인 면모를 한층 부각시키려는 시도처럼 보인다.





인간적인 것들에 대비되는 초월적이고 지고한 것들은 더없이 먼 곳에서 인간을 굽어본다. 티베트인들의 성산(聖山)인 히말라야와 카라코람의 고봉들, 윤회를 끊기 위해 갠지스 강어귀를 밝게 물들이는 화장의 불길, 하늘의 별 대신 무수히 빛나는 도시의 조명들은 속세의 번뇌와는 한참 떨어진 별세계처럼 보인다. 그 별세계를 지나 온 앙뚜와 우르갼의 여정이 방점을 찍는 순간은 한 치 앞도 보이지 않는 눈보라를 헤치고 캄으로 향할 때다. 무릎까지 빠지는 눈 위를 걷던 앙뚜가 힘이 들어 더 이상 걷지 못하겠다고 하자 우르갼은 조금만 더 힘을 내라고 다독인다. 시계가 확보되지 않은 상황에서 더 이상의 이동은 무리였기에 우르갼은 앙뚜에게 소라나팔을 불게 한다. 소리를 듣고 캄의 수도승들이 그들의 존재를 알게 하기 위해서다. 그러나 아무도 그들을 찾아오지 않고 조우는 실패한다.


이 장면은 이상하게도 ‘진실을 위한 조작’을 수행했던 플래허티의 카메라를 떠올리게 한다. 초월적인 것들은 시야에서 사라졌고, 카메라는 모든 것을 사전에 알고 있었다는 듯이 무심한 롱 쇼트로 육체적 한계에 다다른 앙뚜와 우르갼을 포착한다. 종교적 숙명의 무게보다 당면한 인간적 고통이 부각되는 순간, 롱 쇼트는 오롯이 둘만을 포착함으로써 눈물의 쇼트-리버스 쇼트에 비할 수 있는 어떤 진실에 다가간다. <다시 태어나도 우리>가 도달하는 지점은 종교 없이 인간 그 자체를 숭고하게 다룰 수 있다고 믿는 휴머니즘이다. 영화는 서로에게 의지하는 앙뚜와 우르갼에게서 운명의 굴레를 한 꺼풀 벗겨내 언 땅에 굳게 두 발을 딛고 선 인간을 보여준다. 종교라는 주제를 손쉽게 답습하는 대신 그 안에 존재하는 인간의 모습에서 적극적으로 진실을 찾아내려는 태도는 형식에 대한 교조적 태도를 넘어 큰 울림을 줄 수 밖에 없는 것이다. 그리고 그 진실성이야 말로 <다시 태어나도 우리>가 가진 가장 큰 미덕이다.



Posted by indiespace_은지

댓글을 달아 주세요

어떤 얼굴들과 목소리들에 대한 기록

 여성영상집단 움 다큐전: 페미니즘으로 비추다 <우리들은 정의파다>  인디토크 기록


일시 2017년 9 29일(금) 오후 7시 30분 상영 후

참석 이혜란 감독

진행 김소희 평론가






*관객기자단 [인디즈] 김신 님의 글입니다.



인디토크가 진행되는 동안 던지는 질문에 앞서 관객들은 '이런 사건을 알지 못했던 내 자신이 부끄럽고, 반성한다.'는 고백을 반복적으로 꺼내놓았다. 9월 29일부터 30일까지 진행된 ‘여성영상집단 움’의 기획전의 일환으로 관객들을 만난 <우리들은 정의파다>는 우리가 잘 알지 못했던 사실들에 관한 기록이다. 부당한 해고를 당한 동일방직의 여성노동자들은 1978년부터 약 40여년간 복직투쟁을 지속하고 있으며 이 사건은 <우리들은 정의파다>가 제작된 지 10년이 된 지금도 여전히 지속되고 있다. 사건의 충격적인 내막에 대해 우리가 무지했다는 점, 그리고 과거의 영상에 기록된 투쟁이 여전히 종결되지 않고 어딘가에서 지속되고 있을 것이라는 예감이 우리의 부끄러움을 끊임없이 자문하게 한다. 여기, 우리가 알지 못하는 기억에 관한 이야기가 있다. 





김소희 평론가(이하 김): 영화를 보고 울컥한 상태에서 진행을 하려니 힘든데요, 어쩌면 지금이야말로 영화에 대해 더 잘 이야기할 수 있는 때라고 생각하고 진행을 해보겠습니다. 먼저 작품을 만들게 된 계기에 대해서 말씀을 해주시면 좋을 것 같습니다. 



이혜란 감독(이하 이): 큰 계기가 되었던 것은 <평행선>(2000)이라는 작품입니다. 저는 90년대부터 노동 관련 영화들을 만들어 왔어요. 2000년에 현대자동차 측의 대량해고 결정에 대한 파업이 있었고 그 파업이 마무리되는 시점에 정리해고 대상자들 277명 중 144명이 식당에서 일하는 여성 노동자 분들이었어요. 파업 과정을 기록하면서 이들이 왜 정리해고 대상이 되었는지 이해할 수 없는 부분이 있었어요. 그들은 누구보다 선봉에 서서 투쟁을 했어요. 단순히 연세가 있어서, 집안에서 아내 아니면 어머니로서 젊은 노동자들을 위해 해고되어도 괜찮다는 인식이 작용했기 때문에 정리해고를 당한 거라고 생각했어요. 물론 밥짓는 노동에 대한 폄하의 시각도 있었겠고요. 이런 성차별적인 행간에 주목하고 싶었습니다. 저는 노동운동을 하겠다고 영화를 시작했는데, 그 노동운동 안에서도 여성으로서, 소수자로서 노동을 한다는 것은 또 다른 조건인 것 같아요. 그런 배제된 환경 속에서 투쟁하는 여성 노동자들의 삶을 담아내고자 했습니다. 흔히 한국 노동운동의 시작점이 1987년 노동자 대투쟁이라고 하는데요, 저는 그 안에서 여성노동자들의 역사는 누락되거나 배제되었다고 생각을 해요. 실제로 방금 상영한 영화의 동일방직 사건을 찾아봐도 똥물 사건이나 나체 시위 같은 사건 위주의 기록들이 대부분이고 실제 이 여성노동자들이 당시에 어떤 상황에 있었는지, 어떤 고민을 했는지에 대한 부분들은 거의 없습니다. 그래서 저는 그런 이야기를 기록해보고 싶었습니다.  



김: 이들의 실제 목소리를 듣는 것이 굉장히 중요했을 것이고 실제로도 그 부분이 굉장히 잘 표현된 것 같아요. 거의 인터뷰 다큐멘터리의 교과서라 할 정도로 인터뷰들이 인상적이었는데요, 장소가 각자의 집이었고 개별적으로 인터뷰를 했습니다. 어떻게 진행되었는지 궁금합니다. 



이: 감사합니다. 교과서적이라니, 교과서로 만들어서 팔까요?(웃음) <우리들은 정의파다> 작업을 진행하면서 구성과 연출방향에서 중요하게 생각한 것은 누락되고 배제된 역사 속 여성들의 주체성을 어떻게 보여줄 수 있을까, 그리고 어떻게 그들이 함께 할 수 있었을까 하는 고민이었던 것 같아요. 제가 인터뷰를 한 당시에도 동일방직에 대해서, 그리고 해고되었다는 사실에 대해 그 분들의 가족들도 잘 몰랐던 경우가 굉장히 많았어요. 왜냐하면 당시에 동일방직에서 해고됐다는 것 자체가 하나의 낙인이었고, 박정희 시대에 낙인은 가장 무서운 것이었기에 여성노동자들이 자신의 이야기를 하는 건 굉장히 어려웠어요. 본인의 기억을 본인의 방식으로 이야기하도록 구술 인터뷰로 진행했습니다. 그 때 호명이라는 컨셉을 생각을 했어요. <우리들은 정의파다> 속 인물들은 원래 ‘2번 시다’와 같은 방식으로 불렸거든요. 2번줄에서 일하는 시다인 거죠, ‘이혜란’이 아니라. 그래서 저는 이 사람들의 이름을 불러줘야 한다고 생각했어요. 영화 속에 이름 외에는 직급, 나이 등 아무 정보도 넣지 않았어요. 개인의 경험을 이야기하면 함께 있었던 동료들의 이야기가 자연스럽게 나와요. ‘정남이가- 순애가- 그랬지.’와 같은 말들을 통해서요. 이렇게 흘러나오는 말들이 여성들이 지니고 있는 공동체성 안의 자매애를 보여줄 수 있는 방식이라고 생각을 합니다. 이 여성들의 기록 자체가 한국 여성들의 역사 안에서 호명되는 기록이기도 하고요. 개인의 기억이 공동의 기억으로 이야기되는 방식을 상상하면서 ‘우리’라는 표현을 사용해 이들의 이야기를 전하려 했습니다. 



김: 개인의 말을 자막으로 잘 전달하면서 한 명 한 명을 굉장히 소중히 기억하고 있다는 생각을 했습니다.



관객: 기억이라는 것이 원래 말을 하면서 더 정확해지는 지점이 있기도 하잖아요. 그런 의미에서 개인 인터뷰 말고 그룹 인터뷰도 어쩌면 공동의 기억을 정확하게 할 수 있는 방식이 될 수 있었을 것 같고, 또 서로가 서로의 이름을 불러주면서 관계성을 부각시켜주는 측면에서도 좋을 것 같은데, 혹시 단체 인터뷰는 의도적으로 배제한 건지 궁금합니다. 



이: 특별히 단체 인터뷰를 진행하진 않았습니다. 개별 인터뷰를 같이 수다를 떠는 모습처럼 보이게 편집을 했어요. 





관객: 연대가 굉장히 중요하다는 생각을 했는데, 아이러니하게도 남성노동자와 여성노동자들 사이를 분열시키고 이간질시키는 방식이 실행되었다는 사실이 마음을 아프게 했습니다. 혹시 이렇게 연대를 다루는 또 다른 작품을 제작할 의향이 있는지 궁금합니다. 



이: 어용 노조는 다 관리직 안의 남성들을 토대로 구성이 되었고 해고된 사람들은 여성노동자들이었죠. 이런 부분이 정부의 사주와 착종되면서 타겟이 되는 방식이 참 두렵기도 했습니다. 개인적으로 제가 고민하고 있는 다음 작품은 동일방직의 김용자 씨와 한진중공업의 김진숙 씨의 복직의 꿈에 대한 이야기입니다. 투쟁을 겪어오면서 이 분들이 가지고 있었던 꿈과 열망에 대해 이야기하려는 생각을 하고 있어요. 실제로 현재 벌어지고 있는 KTX 여성노동자들의 복직투쟁에 도움을 주시고 있고 또 동일방직을 둘러싼 문제들이 여전히 변하지 않고 있는 현실에 대해 많은 공감을 하고 계십니다. 자신들을 닮은 여성노동자들의 현실을 응시한다는 면이 어쩌면 연대의 측면을 보여줄 수 있지 않을까 싶습니다.  



김: 동일방직 복직투쟁은 여전히 계속되고 있고 현재진행형 사건이라는 점에서 역사의식을 보여주고 있기도 합니다. 그 사안을 다뤄야 한다고 생각한 이유가 궁금합니다. 



이: 과거는 지나간 게 아니고 현재와 단절될 수도 없다고 생각합니다. 과거의 기억들과 경험들은 현재의 삶 안에 같이 존재하고 있고, 어쩌면 이것들이 자신의 미래를 투영할 수 있는 부분이기도 합니다. <우리는 정의파다> 속 사람들에게는 포기할 수 없는 복직이라는 꿈이 있고, 그들의 현재와 과거에 대해 이야기하고 싶다는 생각을 했어요. 



관객: 이 분들의 현재가 궁금해져요. 지속적으로 투쟁을 한 건지, 아니면 그 과정 속에서 잠깐 쉬거나 다른 국면을 맞이하기도 했는지도 궁금합니다. 



이: 81년에 해고소송과 관련한 판결이 대법원에서 나온 적이 있습니다. 해고가 부당한 게 아니라 적법하다는 판결이 났죠. 78년 이후 복직투쟁을 계속하면서 여성노동자들이 실제로 먹고 살 수 있는 방편이 하나도 없었어요. 가족의 생계와 자신의 삶을 책임져야 하는데 블랙리스트 때문에 취업이 안 되니 어려운 상황에 처하게 되면서 단체보다는 개인의 삶에 좀 더 신경을 써야 했죠. 다시 이 언니들이 모이게 된 것은 2001년에 민주화 운동 관련자로 인정이 되면서부터였습니다. 이 때 투쟁을 지속하면서 해고는 부당하다는 판결이 나오고 회사측에 복직이 권고되기도 했습니다. 물론 권고차원이니 상황이 나아지지는 않았지만, 그런 계기를 통해 현재까지는 이 분들이 서로 좀 더 안정적으로 만나고 운동을 하고 있죠. 3년 전부터는 국가를 상대로 손해배상 소송을 진행하고 있는데, 고등법원에서는 이겼고 대법원에서 기각이 되었어요. 국가가 블랙리스트를 통해 이들의 생계에 손해를 끼친 점에 대해 배상을 하라는 내용의 소송인데, 지금은 마지막 헌법재판소에서 투쟁을 이어나가고 있습니다. 



김: 재판은 언제 마무리가 될까요? 



이: 모르겠어요. 정권이 바뀌면서 어느 정도 제대로 된 판결이 나오지 않을까 기대는 하고 있습니다만, 아직은 정리가 안 되어서 섣불리 말을 할 수가 없네요. 





관객: 저 같은 일반 사람들이 어떻게 도울 수 있는지 궁금합니다. 



이: 우선<우리들은 정의파다>를 많이 홍보해주세요.(웃음) 동일방직 사건을 인터넷에 검색해보면 가장 많이 나오는 사진이 똥물사진과 나체시위 사진이에요. 그런데 이야기가 없는, 그리고 주인공들이 없는 그 이미지만 보고 사건을 안다고 생각하는 것보다 실제 그 여성노동자들의 말과 얼굴을 기억하는 것이 중요하다고 생각해요. 또 이 분들과 유사한 상황이 주변에도 있을 수 있어요. 옆에 있는 친구들, 혹은 현재 투쟁을 하고 있는 KTX 노동자 분들이 그 분들이라 생각하고 도와주시면 감사하겠습니다. 



관객: 다큐멘터리를 제작하면서 시간과 인내가 정말 많이 필요할 텐데 어떤 재미로 작품을 지속적으로 만들 수 있는 건가요?(웃음) 감독님만의 열정과 쾌감이 궁금합니다. 



이: 대상의 이야기를 듣고 그 이야기를 카메라에 담는 순간이 너무 좋아요. 카메라로 사람들을 만나는 과정이 좋아서 영화를 시작했어요. 기획하고, 만나서 섭외를 하고, 이야기를 들으면서 그들을 사랑하게 되는 과정. 그 과정 속의 감정이야말로 저를 행복하게 만들어주는 시간인 것 같습니다.  



김: 감독님께 끝 인사와 앞으로의 계획에 대한 이야기를 부탁드리면서 마무리를 하도록 하겠습니다. 



이: 여성의 깊은 내면에서 이야기를 들을 수 있는 영화를 기획하고 있습니다. 곧 있으면 완성이 될 것 같은데, 많이 기대해주시면 좋겠어요. 그리고 <우리들은 정의파다>를 널리 홍보해주시면 감사하겠습니다. 마지막으로 인디스페이스에서 이렇게 좋은 기회를 마련해주셔서 정말 감사하다는 말씀을 드리고 싶습니다.  







Posted by indiespace_은지

댓글을 달아 주세요

티스토리 툴바